obras pictóricas españolas

EL CABALLERO DE LA MANO EN EL PECHO

El cuadro llamado "El Caballero de la Mano en el Pecho", es un retrato del marqués de Montemayor, pintado por un pintor del s. XVI llamado "El Greco".
En él aparece un personaje que tiene unos cincuenta y dos años, con el pelo moreno y oscuro como la noche, liso, corto y con entradas. Su cara es pálida, suave y alargada. Los ojos son negros, redondos, pequeños y podemos apreciar que tiene ojeras. Tiene las pestañas cortas, oscuras y finas. Sus cejas son oscuras, largas y gruesas. La boca es pequeña con labios son gruesos y carnosos. Está cubierta por un gran bigote y una barba larga, espesa y perfilada Sus orejas son pequeñas, largas, puntiagudas y pegadas a la cara. La nariz es puntiaguda, alargada y pequeña.
El marqués, protagonista del cuadro, es un hombre delgado y alto, en apariencia débil y serio.
Lleva puesto una casaca negra con cuello y mangas blancas de encaje. Llama la atención la disposición de su mano derecha sobre su pecho, postura que da nombre al cuadro. Se adivina un medallón semi escondido en la casaca y podemos apreciar una espada la empuñadura de una espada dorada y labrada.
El fondo del cuadro es oscuro y tenebroso.

”Inmaculada Concepción “

“La Inmcaculada Concepción” es un cuadro pintado por Murillo en el s. XVI en el que aparece una Virgen y varios ángeles a su alrededor.
La figura principal aparenta unos veinte años y tiene el pelo largo, suelto, castaño, ondulado y un poco encrespado. La cara es redonda, con mofletes sonrojados y piel clara. Sus ojos son marrones y redondos, con la mirada dirigida hacia el Cielo. Las cejas son finas y perfiladas. Su nariz es pequeña y redondita. Bajo ella su boca aparece pequeña con labios carnosos y rojizos. Tiene una figura estilizada que parece que flota en el aire. Sus delgadas manos, aparecen en actitud de oración. Lleva puesto una túnica blanca y vaporosa. Sobre el hombro lleva un manto azul y largo, muy voluminoso. Transmite alegría, dulzura y mucha paz.
A su alrededor podemos ver unos cuantos ángeles regorditos, desnudos y flotando entre las nubes. Cada uno lleva un atributo mariano (lirio, rosa, etc.). Bajo sus pies, aparece la luna como representación de Señora de cielo y tierra.

RETRATO DE PABLO PICASSO
JUAN GRIS

El "Retrato de Pablo Picasso" es un cuadro pintado por Juan Gris, en el siglo XX. Picasso y el autor eran amigos y compañeros. Esta obra se enmarca dentro del género cubista, del que Pablo Picasso fue uno de sus principales representantes.
Por tratarse de una obra de este género, no se aprecian con claridad los rasgos de la figura humana que representa, un hombre de mediana edad, con el pelo castaño, corto y liso. Su cara se intuye alargada, con mofletes y sonrosada. Los ojos son grandes, almendrados y grises. Su nariz es aguileña y grande. La boca es pequeña, con labios gruesos y carnosos. Llama la atención su barbilla prominente.
Picasso aparece sentado en actitud de descanso. Es corpulento y tiene una expresión de seriedad y tranquilidad. Lleva puesto una chaqueta azul con botones y una camisa blanca debajo de ella. En su mano porta una paleta de pintor, ya que era su profesión.

S. Lucas pintando la Crucifixión
Zurbarán

Este cuadro está pintado en el año 1639 por Francisco de Zurbarán, coetáneo de Velázquez, y representa el momento de la Crucifixión de Jesús.
En él aparecen dos figuras: Jesús, que es la principal, y S. Lucas.
Podemos ver a Jesús con el pelo largo, descuidado, ondulado y castaño oscuro. Lleva una corona de espinas. Su rostro no se aprecia bien debido a estar cubierto por el pelo y una prominente barba castaña. Los ojos están cerrados, posiblemente porque esté ya muerto o agonizando.
La figura llama la atención porque aparece crucificado, aunque no como lo vemos habitualmente, sino con los pies cruzados con dos clavos, y esto da sensación de movimiento. Su cuerpo es alto y tan delgado que se le marcan las costillas. Lleva puesto un trozo de tela blanca a la altura de las caderas, que tapa sus partes íntimas.
La segunda figura corresponde al evangelista Lucas, discípulo de Jesús, y es un auto retrato del pintor. Es un hombre de unos sesenta y dos años. Su cabeza aparece calva por arriba y con pelo liso, descuidado y canoso a los lados. La nariz es grande, puntiaguda y aguileña. Su cara es pequeña, alargada y blanca con una expresión de misticismo por el momento que está contemplando. Tiene las cejas grandes, canosas y pobladas. La boca es grande con labios carnosos, aunque está ligeramente tapada por una barba un poco canosa y poco poblada.
San Lucas es alto y delgado. En sus manos lleva una paleta de pintor y cubriendo su cuerpo una túnica rosada y voluminosa, con una sobre túnica marrón.
El fondo del cuadro es oscuro, aunque aparecen iluminadas las dos figuras principales para que nos fijemos en ellas.

"LAS MENINAS"
VELÁZQUEZ

El cuadro "Las Meninas" fue pintado por Velázquez en el año 1656. Este pintor fue uno de los más importantes del siglo de oro español. Esta obra se encuentra en el Museo del Prado y representa a la familia del rey Felipe IV e incluye un autorretrato del propio autor que está pintando la escena. Se trata de una estancia del Palacio Real, concretamente el salón.
A la izquierda hay un caballete con el cuadro que está pintando Velázquez; delante de él vemos a María Agustina Sarmiento de Montemayor, que está inclinada hacia la infanta Margarita, que aparece en el centro del cuadro.
A la derecha de ésta se encuentra otra menina, Isabel de Velasco, también en actitud servicial. Al lado de ella observamos a María Bárbola, un personaje con rasgos de enanismo, y Nicolasito Percusato, otro enano de la Corte.
Delante de ellas vemos un perro mastín tumbado en el suelo. Detrás de estos personajes encontramos a la viuda Marcela de Ulloa y al lado al guardacamas de la Corte en penumbra.
Al fondo observamos al aposentador de la reina en el umbral de la puerta, no sabemos si entrando o saliendo de la estancia.
Nos sorprende ver colgado de la pared del fondo un cuadro de los Reyes entre otros muchos cuadros que decoran las paredes.

"LOS FUSILAMIENTOS DEL 3 DE MAYO"
FRANCISCO DE GOYA

Este cuadro fue pintado por Francisco de Goya en el año 1814 y representa los fusilamientos que tuvieron lugar en Madrid el 2 de mayo de este mismo año por parte de las tropas francesas ante un levantamiento del pueblo de Madrid.
En el centro del cuadro observamos a un hombre de rodillas con los brazos extendidos, simbolizando la crucifixión de Cristo, mientras espera a ser fusilado por los soldados de Napoleón. Destaca este personaje por la iluminación que tiene, los colores de su ropa y la expresión desgarrada de su rostro.
A los lados de este personaje principal apreciamos a más hombres asustados y sufriendo porque esperan también la muerte por fusilamiento. Este temor podemos verlo reflejado en las distintas caras, posturas y actitudes (manos tapando los ojos, las orejas, rezando...)
Enfrente de ellos encontramos un pelotón de soldados franceses armados con fusiles y en posición de disparo. Llevan puesto uniformes de colores oscuros y fríos, sin apreciarse sus caras.
Entre franceses y españoles hay un charco de sangre y varios cadáveres. También se aprecia un foco que ilumina la escena.
Al fondo observamos un monte y tras él los edificios de Madrid en una noche cerrada.

“Los relojes derretidos”
Dalí

El autor de este cuadro se llama Salvador Dalí, principal representante del surrealismo, aunque a lo largo de su vida utilizó en sus cuadros otras expresiones artísticas como el realismo, cubismo...
La obra se titula "La persistencia de la memoria" o "los relojes derretidos" y hace referencia a la interpretación que hacemos del tiempo.
En ella vemos un paisaje marino compuesto por varios elementos que a cada persona le sugiere una idea: a la izquierda se aprecia un árbol seco del que cuelga un reloj derretido. A su derecha podemos ver una silueta blanca con varias interpretaciones (animal, barco de papel, sofá...) con otro reloj derretido encima. Al fondo percibimos un mar y unas montañas. Delante a la izquierda podemos admirar otro reloj derretido y a su lado otro reloj de bolsillo vacío o también un globo en otras interpretaciones.
En conclusión, al tratarse de una obra surrealista, su descripción es muy personal porque cada uno la interpreta de una manera diferente según su percepción, emociones, imaginación...

“PASEO A ORILLAS DEL MAR”
Soroya

Este cuadro, titulado "Paseo a orillas del mar" fue pintado por Soroya en el año 1909.
En él observamos dos figuras femeninas paseando a la orilla de la playa de Valencia: su mujer Clotilde y su hija Elena.
El cuadro destaca por su luminosidad, rasgo característico de este pintor, pues los colores que predominan son blancos y azules. Los trazos son gruesos y sin detalles, típicos de su estilo, el impresionismo, con el que pintó la mayoría de sus obras.
Las figuras van vestidas de blanco aprenciándose el movimiento de los ropajes con la brisa marina, al igual que en el sombrero, el quitasol y la olas que se aprecian al fondo.
El cuadro nos transmite una sensación de paz y tranquilidad.

EL GUERNICA
PICASSO

"El Guernica" es un cuadro de Picasso, el artista más influyente del siglo XX, y es un símbolo del horror de la guerra.
Fue un encargo para la Exposición Universal de París de 1937 en el que tenía que plasmar el bombardeo de la ciudad de Guernica. Sin embargo, no se sabe con certeza si lo reflejado en el cuadro sería ese bombardeo, la guerra Civil Española o un reflejo de la propia vida del pintor.
Mirando el cuadro podemos apreciar varias cosas:
En primer lugar vemos un soldado en el suelo y cuatro mujeres, todos ellos con signos de violencia, desgarro, pena, dolor o miedo por los horrores de una situación tan trágica; por ejemplo hay una madre gritando al cielo con un niño muerto en sus brazos, otra llorando ante su casa en llamas, etc.
También aparecen animales, como son un caballo, un toro (temática muy utilizada por el autor) y un pájaro que se ve menos que las dos figuras anteriores.
Los colores del cuadro son fríos (gris, negro y azul oscuro), aunque llama la atención la bombilla que está en el centro y que da la sensación de iluminar la escena.
La obra es expresionista y un poco surrealista, ya que da lugar a distintas interpretaciones. En ella aparecen elementos aparentemente sin sentido o nexo de unión y símbolos como la flor que vemos en la parte inferior central del cuadro, que puede representar la esperanza ante el horror que plasma la pintura.
Esta obra se encuentra en el museo Reina Sofía y se considera uno de los cuadros más importantes de nuestra iconografía.