Este libro recoge las obras más representativas de la Hª del Arte desde la Antigüedad Clásica al siglo XIX

H Arte 22/23

TÉCNICA: oleo sobre lienzo

Aparece una organización piramidal con el vértice en la cabeza mas alta y una profunda diagonal desde el libro hasta el personaje que aparece al fondo. La luz es dorada y artificial y procede de arriba de lo alto contribuyendo a realizar rostros y golillas , pero el foco principal cae sobre el cadáver , las pinzas y los tendones rojos , de este modo existen un contraste entre la frialdad que desprende el cuerpo desnudo del cadáver y la caliza de los rostros. Existe una atmosfera dominada por el claroscuro que proporciona volumen a los personajes que los rodea o envuelve. El espacio cuyo fondo arquitectonico aparece sombreado , sombras doradas. 

CARACTERÍSTICAS PRINCIPALES:

El Teatro de Epidauro , es un teatro griego . Su parte fundamental es la orchestra de forma circular donde se cantaba , recitaba , bailaba... Tambien aparece la cavea , tiene forma ultra-semicircular y se construye aprovechando la pendiente , se divide en dos zonas que a su vez se divide en sectores , en la parte baja existían asientos para la autoridad . La escena se encuentra en posición tangente a la orchestra El proscenio es un espacio algo elevado reservado para los actores situados entre la escena y la orchestra Detras de la orchestra se encontraba una escena que había un bastidor .

Se trata de una escultura de 1,99 metros de altura tallada en mármol que cumple con todas las características de la escultura griega en su periodo clásico, como son la elegancia austera, pues mantiene una postura serena y sosegada lejos del amaneramiento. En cuanto a la composición, observamos el uso del «contraposto», donde la mayor parte del peso se apoya en una pierna, dejando la otra exonerada. Esta tensión se libera con una ligera inclinación de la pelvis y en los hombros.

HERMES CON DIONISIO NIÑO

Se trata de una escultura creada con mármol, con un rostro idealizado, su cara muestra la serenidad típica de la época, su pelo esta muy detallado. Tiene un movimiento en forma de "S" y además muestra tensión muscular en el brazo izquierdo por la escultura de Dionisio niño. 

-Posee un gran estudio anatómico del cuerpo . -Sus alas poseen altos detalles y el claro uso de la técnica claro oscuro. -Presenta el uso de la técnica de paños mojados, mediante la cual se ve el precioso cuerpo de Atenea Niké. - Gran expresión de movimiento gracias a el adelantamiento de la pierna derecha . -La zona del abdomen esta muy detallada presentando detalles armónicos. -Esta situada sobre un pedestal.

Representa a un atleta griego ciñéndose una cinta a la cabeza. Está desnudo y tiene un grandioso estudio anatómico, también tiene la postura de contraposto, dejando todo su peso en la pierna derecha sujetada a su vez por una columna. Cumple el Cannon de su arquitecto, el cuerpo mide 7 cabezas, muestra serenidad en su rostro y el peinado sigue siendo pequeños rizos pegados al casco. Realizada en mármol.

Watercolor texture 3

ARTE CLÁSICO

La Giralda de Sevilla formaba parte de la mezquita de la ciudad, pertenece al estilo almohade. El basamento es de piedra y el resto de ladrillo. Tiene planta cuadrada. El exterior recibe toda la decoración, en la que predominan los paños de sebka.

Refleja el esplendor del reino taifa. Es de planta cuadrada, enmarcada por una muralla con torres ultracirculares. El espacio se distribuye en tres áreas, la central alberga las estancias palaciales en torno a una alberca con dos módulos laterales donde se encuentran otras estancias, el Salón Dorado y oratorio. El interior se compone de arcos lobulados, mixtilíneos y de herradura, que se entrecruzan, se superponen y se contraponen. La decoración es de motivos geométricos policromados de lacería y vegetales. Las columnas pareadas, fabricadas en mármol con capiteles de alabastro, soportan los arcos. Los muros son de mampostería.

Tiene una planta en forma de cruz latina, con tres largas naves de diez tramos cruzadas por un transepto dividido también en tres naves con cinco tramos. Al transepto se abren cuatro absidiolos, en los que se realizaron grandes portadas, se conserva mejor la del sur, fachada de las platerías con dos tímpanos gemelos con escenas del Nuevo Testamento. La cabecera acoge un deambulatorio con cinco capillas radiales de la planta semicircular. Sobre las naves laterales aparece una tribuna de que se abre a la nave central mediante arcos geminados. La tribuna, transepto y deambulatorio permiten a los peregrinos recorrer todo el templo sin interferir en la celebración del oficio. La nave central se cubre con bóveda de cañón, contrarrestada por bóvedas de arista en las naves laterales y de cuarto cañón en la tribuna. Los arcos fajones que sujetan la pesada bóveda de cañón, y los formeros que separan las naves longitudinalmente.

S. &nbsp;siglo XI y el XIII

-Está compuesto por tres arcos. -En él tímpano del arco central aparece el pantócrator mostrando sus yagas en las manos. -En llas arquivoltas se sitúan los 24 ancianos del apocalipsis y los ángeles turiferarios. -En el parteluz está situado el apóstol Santiago. -Predomina el horror vacui. -Destaca la expresión y el movimiento, además de la ley de adaptación al marco arquitectónico y el uso de la policromía.

LA DUDA DE SANTO TOMAS EN EL CLAUSTRO DE SILOS

Esta obra se encuentra en uno de los muros del claustro de Silos. Es una escultura de tema religioso que representa los apóstoles con Jesús. Los personajes son todos iguales es decir todos presenta la misma estructura, excepto Jesús que se representa con más altura y levantando la mano derecha. Las figuras no presentan estudio anatómico, no hay movimiento, y no muestran expresión en la cara.

Estamos ante una pintura realizada al fresco sobre el muro que forma el abside de la iglesia de San Clemente de Tahull. La composición de esta obra es claramente simétrica y estática. Las figuras están en bandas horizontales determinada por los colores de fondo. Predomina la linea sobre el color. Los trazos de las lineas son finos y curvos dejando ver un dibujo geométrico y esquemático. En cuanto a los colores no destacan mas los fríos de los calientes sino que se alternan y se complementan .

-Esta obra se inserta en en un marco arquitectónico que recuerda a la arquitectura de Brunelleschi -Pilastras ancladas de orden corintio con entablamiento -En las enjustas se observan dos tondos decorados con rosetas , bóvedas de cañón decorada con casetones sustentadas por columnas adosadas de orden jónico -Importancia del dibujo que perfila y enmarca los colores -En la composición se puede observar esquemas triangulares -Distribución armónica de color.

La composición de la figura principal responde a una suave diagonal que arranca desde la cintura para soportar y potenciar el uso de la cruz . Las piernas, un tanto abiertas y en posición de marcha equilibran levemente la figura que se lanza claramente hacia delante, sobre todo desde la vista lateral en donde la cruz crea una potente diagonal de avance dado su longitud e inclinación. El modelado es bastante profundo aunque como es habitual en madera, depende en gran medida de la policromía, que acentúa la mirada o detalles anatómicos como las manos y pies. La figura parte de un realismo total y llega a grandes grados de expresión en la cabeza trabajada en total detallismo como el pelo y la barba .

ARCO DE CONSTANTINO

Este arco lo encontramos en Roma, conmemora la victoria del emperador romano Constantino sobre el tirano. Es un arco formado por tres arcos, siendo el del centro de 11,5 metros de alto y 6,5 de ancho, y los laterales son de 7,4 de alto y 3,4 de ancho. La parte inferior del arco esta hecha de Mármol , la parte superior de ladrillo. Las columnas son de orden corintio y en las paredes se representas diferentes obras. Se encuentra al lado del Anfiteatro.

Chalkboard

Arte Clásico....................................3 Arte Paleocristiano y Bizantino................19 Arte Hispano-musulmán..........................23 Arte Románico..................................29 Arte Gótico....................................35 Arte Renacentista..............................41 Arte Barroco...................................61 Arte Neoclásico................................89 Goya...........................................95

Lo que representa esta gran obra es el paso del tiempo, lo que se plasma en las tres caras pintadas que representan las tres edades: juventud, edad adulta y vejez. Además de una expresión serena y posiciones estáticas, destacan los colores como el rojo de la túnica del aguador. La luz la reciben desde el frente dejando un fondo negro atrás que es una gran característica del barroco.

-Posee grandes rasgos de detallamiento , sobre todo en los ropajes de Marco Aurelio y en la crin del caballo. -Marco Aurelio posee una gran serenidad en su cara frente a la gran expresión del animal. -Existe una gran muestra de movimiento gracias a la notablemente levantada pata del caballo. -Hay grandes trabajos tanto en el pelo como en la barba de Marco Aurelio ya que se utiliza técnicas de claro oscuro y de contrastes.

-Inspiradas en en Panteón romano. -Posee una escalinata central a modo romano. -Planta de cruz griega. -Cuatro fachadas idénticas. -Pórtico de orden jónico con volutas laterales. -Frontón enmarcado por una cornisa donde se encuentran dos ventanas ovales que flanquean un escudo. -Construido en ladrillo estucado . -La piedra se reservó para las basas, capiteles, columnas y marcos.

En primer lugar podemos destacar que el fondo es dorado , este color lo usan mucho para hacer alusión a lo divino , a lo espiritual .Las caras de los personajes no expresan ningún tipo de sentimientos , son inexpresivos y las figuras son frontales , planas y no se apoyan sobre nada y es como si flotasen. No tienen movimiento. También podemos observar que las figuras están ordenadas de manera jerárquica , por un lado los miembros de la Iglesia y por el otro los funcionarios y el ejercito . Finalmente no hay contrastes de luces y sombras. Finalmente esta obra tiene una intencional política y religiosa .

Es la obra más clásica del artista. El rostro de la Virgen resulta de una belleza delicada y pura que refuerza su sentido virginal. El manto cae elegante con suaves contrastes de luz y sombra. En el cuerpo de Cristo se detecta un tremendo verismo, ambas imágenes presentan un gran estudio anatómico y un perfecto contraste de claroscuros. También la composición enmarcada en un equilibrado triángulo aunque podemos decir que la postura de Jesús es bastante manierista.

Retrato de cuerpo entero de Octavio Augusto tallada en mármol, y que todavía conserva restos de dorado, púrpura, azul, y otros colores con los que fue policromada. Aparece en pie, descalzo, con indumentaria militar y con una rica coraza, sosteniendo un bastón de mando&nbsp;consular y levantando la mano derecha. Su coraza tiene relieves alusivos a diversos dioses romanos, aparece con la mirada sombría y su característico flequillo, su rostro tranquilo y distante ha sido idealizado.

En esta arquitectura podemos ver a Apolo persiguiendo a Dafne que es invocada por dios. Es un ejemplo de escultura barroca ya que sigue varias características como en la luz que aparece un claro oscuro, se aprecia el movimiento de las figuras como apolo esta cogiendo la cintura a Dafne y ella como tratando de escapar, ademas podemos ver la expresividad que tiene en los rostros y por ultimo el desnudo de ambos. En la obra vemos que esta hecha de mármol blanco uno de los materiales rico que utilizaba  Bernini. 

Patrimonio Cultural y Artístico de Andalucía. I.E.S. Salvador Serrano. 2023

-Está realizada en&nbsp;mármol blanco de Carrara. -La composición, muy estudiada, es&nbsp;cerrada,&nbsp;clásica, y se estructura en un eje vertical desde la cabeza hasta el pliegue formado entre las piernas del profeta, cuya figura queda enmarcada por dos líneas rectas verticales en los extremos. - Existe un&nbsp;ligero&nbsp;contrapposto -&nbsp;Búsqueda de la belleza ideal, acentuado naturalismo, interés por la figura humana y su anatomía. - El rostro muestra la terrebilitá de Miguel Ángel.

Esta pintura vemos representa un episodio del Evangelio de San Juan. Jesús una vez resucitado con tres discípulos totalmente desconocidos que lo invitan a una cena. El espacio se encuentra en una taberna, Cristo aparece con un aspecto juvenil, bendiciendo el pan, a su lado derecho se encuentra el mesonero con un rostro de sorpresa. A la izquierda un apóstol con rostro de sorpresa, con la manos rudas y la silla echada para atrás. A la derecha otro apóstol con las manos levantadas y un rostro natural. Los colores usados son cálidos y la luz entra en forma de diagonal.

Tiene forma de elipse cuyo perímetro es de 527 m. Su altura es de 48 m. La fachada se dispone en tres pisos con 80 arcos de medio punto sobre pilares con medias columnas adosadas: en la arquería más baja las columnas eran de orden dórico-toscano; en la segunda, jónico, y en la siguiente, corintio. En época de Tito se añadió un cuarto piso, sin arcos y con pilastras planas. Sobre el mismo, se dispuso una gran cornisa que se cubría con el&nbsp;velarium, toldo que daba sombra a los espectadores,&nbsp;se fijaba al piso superior por medio de postes. Debajo de la arena se encontraba el laberinto de corredores y cámaras subterráneas.

Historia del Arte 2º Bachillerato 2022/23

Formado por un cuerpo central de planta rectangular terminado en ábside. Desde los laterales parten dos galerías alargadas, finalizadas en dos pabellones cuadrados. Del cuerpo central destaca la puerta de Velázquez, que se adelanta al resto del conjunto. Cuenta con seis columnas toscanas de orden gigante. El ático acoge un friso escultórico. Las galerías laterales tienen dos plantas, en la inferior se alternan ventanales terminados en arco de medio punto con hornacinas que acogen esculturas. La segunda es una galería de columnas jónicas.

FORMA DE&nbsp;U&nbsp;con dos alas laterales&nbsp;con una longitud de&nbsp;600 metros. , una parte mira al pueblo y otra a los jardines siendo el mejor ejemplo de arquitectura palaciega en Europa -&nbsp;En las alas laterales se ubicaban las estancias para la corte y cortesanos y la zona central para el rey.Estaba dividida en: &nbsp;-&nbsp;Planta&nbsp;INFERIOR&nbsp;&nbsp;Ventanas y&nbsp;Paramento almohadillado inspirado en los palacios renacentistas italianos. &nbsp;-&nbsp;&nbsp;Planta&nbsp;NOBLE formado por grandes ventanas entre pilastras y columnas&nbsp;jónicas . -&nbsp;ATICO. Formado por vanos rectangulares&nbsp;entre pilastras adosadas y coronado por una estructura balaustrada&nbsp;que sirve de base a una decoración de jarrones y trofeos.&nbsp;.

-Gran diseño de ropajes. -Magnífico retrato psicológico en la cual se observa al papa con una actitud poderosa y retadora. -Destacan las pinceladas gruesas difuminadas del fondo. -Son protagonistas las detalladas manos y rostro del papa. -Destaca el brillo conseguido en los ropajes, ademas de los pliegues de la vestimenta. -La luz parece entrar por la derecha haciendo que se produzca un brillo especial en el lado contrario

La planta es claro ejemplo del barroquismo. Los muros son muy dinámicos . Están divididos por tramos con capitales de orden compuesto . El entablamento formado por curvas y contra curvas rodea la Iglesia sobre el cuatro bóvedas de cuatro de esfera con casetones y entre ellas las cuatro pechinas decoradas con paneles ovalados. La fachada es ejemplo del dinamismo barroco con curva y contra curva y ademas las columnas que son de orden gigante. Se puede dividir en dos niveles . En la parte superior entablamento cóncavo interrumpido por medallón y también aparece una especie de balcón o edículo convexo que parece enlazar con el nivel inferior. En el nivel inferior esta dividida en dos niveles con hornacinas y en la parte central se encuentra la puerta, la hornacina y dos columnas de orden jónico y corintio .

Está hecho en mármol. Se trata un atleta musculado, de pie y desnudo, tiene los brazos elevados a la altura de los hombros, y el izquierdo parece que porta una barra, que se desliza por la parte anterior del brazo derecho, que a su vez porta un dado, la pierna izquierda separada de la derecha en la visión frontal, lleva un apoyo, y la izquierda que permanece rígida, una columna en la parte posterior. El atleta mira hacia la lejanía, y su cabeza, de cabello rizado, rasgos pequeños y rostro expresivo se encuentra inclinada y girada. Es una estatua de forma abierta, tiene una altura de 1,92.

La imagen representa a Jesucristo clavado en la cruz. Se trata de una imagen de temática religiosa, destinada a la devoción. Se caracteriza por la corrección anatómica, hay que pensar que el artista recurrió al modelo vivo, esto es a una persona que posó para el escultor. La textura es lisa en todo el cuerpo, creando una sensación de gran realismo. El paño de pureza tiene múltiples pliegues y la composición es equilibrada y está realizada con mesura

Es una pintura de contenido histórico donde deciden sobre la supremacía de dos ciudades eligiendo a tres hermanos para no derramar más sangre, los Garfios le juran lealtad a su padre. Es una obra simétrica destacando en el centro el padre con dos partes la del juramento y la trágica. Los hombres aparecen musculosos, rígidos y verticales, las mujeres se presenta con curvas y mostrando desesperación. Predominio de colores como el rojo, azul, y verde. La luz entra desde un lado izquierdo ya que se ve la sombra en los tres hermanos. La figuras no presenta movimiento, se ve estético.

El cuadro se presenta dividido en dos grandes zonas, en la parte alta, una zona celestial donde aparecen Cristo, la Virgen, ángeles, santos y otros personajes ya fallecidos. En la parte inferior, la terrenal, un entierro rodeado de personajes, unos eclesiásticos y otros civiles. Representa el milagro que ocurrió cuando se iba a enterrar al señor de Orgaz y en ese momento bajan del cielo San Agustín y San Esteban y lo entierran ellos mismos con sus propias manos. Destaca la sensación de continuo movimiento propia del manierismo, predominio del color que con las pinceladas hace desaparecer al dibujo, la luz de apariencia artificial, más fuerte en la parte superior, y el Horror Vacui.

LA ANUCIACION  DE SAN MARCOS DE FRAY  ANGÉLICO

Esta escena se sitúa en un espacio arquitectónico abovedado en el que tiene elementos góticos como los arcos apuntados y renacentistas como las columnas clásicas de orden corintio y jónico. Este espacio se abre a un jardín y detrás de un vallado un bosque. La composición es simétrica, una columna divide la escena en dos partes en la que se encuentran los protagonistas: el arcángel y Maria. Predomina el dibujo sobre el color. Los colores son suaves y proporcionan delicadeza a los personajes, usan colores cálidos y colores fríos. Estos colores tienen escasas gradaciones, son casi planos y apenas tiene volumen. Por ultimo, no existe una gran expresividad, se centra en mostrar la serenidad en la comunicación.

La portada principal representa el&nbsp;Juicio Final, destacan los personajes de las jambas y Nuestra Señora La Blanca en el parteluz que presentan el naturalismo propio del gótico, que se impone sobre el simbolismo y hieratismo románicos. En las arquivoltas del pórtico izquierdo aparece una alusión del árbol de Jesé, en relación con la genealogía de Cristo e historias relacionadas con la vida de San Juan Bautista, quien da el nombre a la puerta. El pórtico derecho hace alusión a San Juan Bautista, dedicada a la Virgen, relatando el tímpano la muerte y coronación de María y portando las arquivoltas varios concejos de ángeles, y en el exterior, las cinco vírgenes prudentes frente a las cinco necias. Las jambas albergan figuras de varios profetas de distinta cronología.

-Su posición de la cara ,&nbsp;de los brazos , del cuerpo&nbsp;&nbsp;&nbsp;contribuyen&nbsp;a&nbsp;la&nbsp;ocupación del espacio &nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp; -La luz&nbsp;crea&nbsp;efectos de brillo en las zonas pulidas&nbsp;y claroscuro en las que no incide -El tratamiento de la figura es realista,&nbsp;su cuerpo tal como se refleja&nbsp;en sus músculos marcados está en tensión -Ritmo.&nbsp;Dinámico y movido recogiendo el instante en el que procede a lanzar la piedra con su honda.&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp; -La obra es muy expresiva&nbsp;:el ceño está fruncido,&nbsp;se muerde el labio inferior ,&nbsp;la cara esta&nbsp;retorcida con ferocidad.

Historia del Arte

-Logrados desnudos femeninos. -Colorido variado, cálido y luminoso. -Disposición triangular. -Representación de asimetría y realismo humano siendo una obra muy realista. -Figuras grandes y corpulentas. -Gran movimiento en los cuerpos curvados. -Gran labor detallista , sobretodo en las flores y cabellos. -Destaca la textura conseguida del agua.

La plaza del vaticano es una de las obra más destacadas por Bernini. Destaca por sus brazos ovalados que representa el acogimiento de la Iglesia a todo sus fieles. La plaza está rodeada por una gran columnata. Su planta destaca por su forma trapezoidal, de lado recto se cierra hacia el exterior, en el centro destaca el obelisco y las dos fuentes y respecto a su decoración no es demasiado abundante tan solo hay unas esculturas  en el eje de las columnas.

Iglesia de San Luis de los Franceses, Roma

La gran característica de este cuadro es la forma especial de iluminación que proviene desde un gran ventanal a la derecha dejando muchísimos claroscuros; otra característica es la abundancia de gente sentada en un gran mesón compartiendo una conversación. También podemos señalar las expresiones y que la pintura está llena de movimiento

-Postura frontal -Falta de movimiento - Su pierna izquierda parece indicar movimiento. -Domina la verticalidad -El estudio anatómico es poco detallado (lejos del clásico griego) -Ausencia de expresión -La escultura tiene los ojos almendrados y una sonrisa arcaica característica del periodo arcaico. -Se trata de joven atleta desnudo.

Esta es una obra de Murillo en la cual plasma la pobreza o situaciones más cotidianas, pero lo hace con una dulzura y simpatía especial, es decir que no lo retrata a modo de desprecio o despectivo. En la pintura nos encontramos con un niño pequeño en una casa al parecer abandonada o vacía espulgándose y alrededor tiene restos de comida. La iluminación proviene desde una ventana situada a la izquierda, también es destacable los ropajes del niño que es un signo más de su mala situación económica.

-Las formas son realistas. -Resaltan las anatomías de los trabajadores y los defectos físicos de Vulcano. -Contraste entre el cuerpo de Apolo y el naturalismo de los artesanos. -El tratamiento de los defectos es tratado con realidad. -Detallismo en los objetos. - Abandono del tenebrismo. -Aparición frontal de la luz. -Colores terrosos y profundidad suave. -Ritmo marcado por la expresión de los personajes.

La portada de San Pierre de Moissac aglutina las características propias de la portada románica: se trata de una portada abocinada compuesta de arquivoltas que cobijan su famoso tímpano. En el centro aparece Cristo sentado en un trono rodeado de símbolos de los evangelistas, el dintel que aparece en la parte inferior del tímpano se decora con unas ruedas de fuegos refiriéndose al castigo infernal. La iconografía se completa con las jambas que presentan un perfil dentado hacia el interior a modo de ondas. En el parteluz representa caras de leones y en las caras laterales aparecen el profeta Jeremías y el apóstol Pablo.

La obra de Lauconte y sus hijos es de periodo helenístico , es realizada en mármol y representa una escena de la guerra de Troya se caracteriza por su estudio anatómico, su expresividad en los rostros , es muy detallista como el detalle de los pelos y la barba y esta obra la podemos encontrar en museos como Pío-Clementino en Roma

Es una estatua ecuestre en bronce del caudillo Erasmo de Narni. Resucita el modelo romano del emperador Marco Aurelio a caballo y además supone el primer monumento ecuestre del Renacimiento. Está levantada sobre un gran basamento de dos pisos con relieves insertados, la escultura de Donatello presenta al mercenario montado sobre un recio caballo que alza una de sus patas delanteras. Su rostro adquiere la dignidad del retrato conmemorativo romano y mira de frente , desafiante con adustez y energía. El artista conjuga el naturalismo del caballo con la expresión del militar, en cuyo rostro se resume la idea de virtud

-Destaca el tratamiento del bodegón con platos blancos y jarras con el escudo de la cartuja. -Destaca el color sobrio pero aplicado con pequeñas veladuras en la pared. -Gran personificación en cada uno de los personajes. -Los manteles caen de forma perpendicular. -Predomina el cuadro del fondo donde plasma la técnica de cuadro dentro del cuadro. -Los ropajes poseen un gran detalle, sobretodo en los bordados. -Se ha de mencionar la presencia de un paisaje que se ve por una ventana, de el parece entrar la luz del cuadro.

La figura de Marat se muestra idealizada al no mostrar la enfermedad que padecía en la piel, respecto a las formas, las encontramos estilizadas y suaves. El estilo nos recuerda a Caravaggio, tanto en la utilización del color como en la composición de la misma. Tiene una parte inferior con símbolos y detalles frente a una superior completamente vacía. El uso del color está lleno de contrastes, hace una combinación efectiva de colores fríos y cálidos, encontrando en la obra tonos grises, pardos y verdes. Existe además un claro contraste entre luces y sombras, pero la habitación en la que se encuentra la escena no nos da muchas pistas sobre si la luz que aparece es natural o no. El autor quiso dotar a la escena de la sobriedad que merece la muerte e intentó no recargar en exceso la obra.

-Posee una planta rectangular. -Techo a dos aguas. -Gran monumentalidad y absoluta austeridad y simetría. -Sencillez y monotonía. -Geometría con cuadrados y triángulos perfectos. -Destacan sus torres esquineras que sobresalen en altura. -Superposición de orden toscano y el jónico en las columnas colosales. - Portada con hornacinas vacías y la parte mas alta con gran parecido a un templo griego.

	Nos encontramos ante un templo octasílabo y períptero de orden dórico, construido en mármol sus columnas son de  orden dórico estas se sitúan de la siguiente manera 8 x 17 lo que podemos decir que se trata de un templo con disposición regular de sus columnas en el interior encontramos una disposición más clásica con naos , pronaos y opistodomos. 	Su construcción es arquitrabada o adintelada y la cubierta es un tejado a dos aguas, que deja dos grandes frontones  en sus parte  frontal y posterior . En cuanto lo mas destacado de la ornamental es las metopas , dispuestas a lo largo del friso exterior realizadas por el gran escultor Fidias

Goya representa muy bien y da a conocer las atrocidades que realizan en la época, como este fusilamiento donde deja ver a hombres muertos, el suelo ensangrentado y la próxima víctima. El pinto ilumina a los patriotas, al pueblo, y deja en la oscuridad a los soldados franceses que están obedeciendo sin escrúpulos y matando a cualquier patriota español. Detrás tenemos un paisaje de noche, destacando la diversidad de figuras individualizadas. 

-Prasemio rectangular que empequeñece la orquesta -Planta semicircular (se situaba el graderío en el centro de la cavea) -Sus columnas presentan un orden corintio. -El graderío esta totalmente construido, la cavea griega es excavada -En la parte recta se sitúa el escenario, en este se eleva el escenario -Se encuentra dividido en dos pisos.

Esta imagen representa una escena de la vida cotidiana de las mujeres. En primer plano vemos a 4 mujeres de aspecto juvenil, a los lados vemos mujeres jóvenes una de ella manejando la maquina de hilo y en el centro destaca la mujer de aspecto mayor. En segundo plano vemos unas escaleras que nos lleva a una habitación donde se encuentra varias mujeres. El espacio de la habitación parece oscuro ya que solo se ve luz en la habitación segunda, y da sensación de antiguo por el empleo de colores cálidos y apagados.

Este libro ha sido creado por los alumnos/as de la asignatura Historia del Arte de 2º Bachillerato, del IES Salvador Serrano durante el curso 2022/23 y supervisado por la profesora Encarnación Carmona Aguilar.

Carolina Aranda Aranda, Noelia Aranda Aranda, Nadia Bermúdez Agundo, José Manuel Contreras Ropero, Carmen Mª López Juárez, Claudia Molina Cobo, Mirella Sánchez Jiménez y Nuria Terrón Anguita.

Es una obra de óleo realizada sobre lienzo. En cuanto a la pincelada es suelta donde los detalles a poca distancia se difuminan, pero a la distancia adecuada reflejan a la perfección las calidades táctiles.&nbsp;En cuanto a la luz,&nbsp;se trata de una luz dirigida, rozando&nbsp;el tenebrismo, podemos&nbsp;visualizar cuatro planos, lo que da mayor perspectiva a la obra y, además, la carga de realismo , lo que también crea visualmente mayor amplitud. En cuanto a las figuras, observamos que son bastante&nbsp;realistas, huyendo de la idealización, con un especial interés por las texturas.

-Muestra un profundo naturalismo. - La situación representada parece espontanea. -Se emplea la perspectiva aérea y se ha realizado sin necesidad de bocetos. -Destaca el contraste de luces y sombras. -Destaca la descripción psicológica y el detalle de los rostros que muestran muy bien las emociones. - Es distinguible la presencia del propio pintor que pinta el cuadro. -Predomina el detalle de los ropajes y la luz procedente de una ventana. -Los colores oscilan entre claros y oscuros, vivos y apagados. -Destaca la técnica del cuadro entro del cuadro

&nbsp;La&nbsp;fuente iconográfica&nbsp;se encuentra en la aparición de la Virgen, Murillo la describió &nbsp;con los ojos alzados al cielo y los brazos cruzados sobre el pecho, rodeando su cabeza 12 estrellas que formaban una corona plateada, cubierta con&nbsp;una túnica blanca y un manto azul. Sobre&nbsp;el fondo dorado, se recorta la figura de la Virgen, envuelta en luz para indicar la presencia divina. El colorido es vivo, predominan los tonos cálidos, dorados, contrastando con los fríos como el azul&nbsp;, destaca el contraste&nbsp;blanco y azul de la figura central simbolismo de pureza. Las pinceladas son sueltas,&nbsp;vaporosas y fluidas.

-Cúpula apuntada formada por ocho caras ojivales. -Cubierto por tejas de barro. -La estructura descansa sobre un tambor octogonal perforado por ocho óculos. -Los nervios convergen en un anillo superior. -Este corona en una linterna, elemento que colabora en la entrada de luz. -El exterior está revestido con mármoles policrómos. -El interior esta construido por dos casquetes dispuestos en forma de pez.

La obra se divide en dos partes por un eje vertical protagonizado por la llave. Este grupo de combatientes forman un esquema curvo que sirve para centrar el punto de tensión del cuadro en la llave. Como recursos del barroco se colocan las figuras de espaldas y personajes que nos miran, a la derecha el propio Velazquez y a nuestra izquierda un holandés. El tratamiento de las figuras es realista. Las figuras son naturales y hay una luz poderosa creando zonas de brillo y efectos de claro-oscuro con efectos de sombra en el suelo. Predomina el color sobre las lineas. Los colores son diversos, cálidos y fríos y la pincelada es diferente, diluida y suelta en la lejanía y detalles especialmente en el caballo. También se consigue un efecto de profundidad .

Es de planta rectangular, en dirección este-oeste. Los materiales utilizados son, estuco, ladrillo, yeso, cerámica y mármol. Destaca la fuente de los leones, que comunica los distintos espacios mediante cuatro pequeñas acequias que entran en los dos pabellones avanzados y las habitaciones laterales. El patio queda rodeado por pórticos con columnas de mármol y fino fuste con capiteles cúbicos, grandes ábacos y función decorativa.&nbsp;Bajo el friso corren&nbsp;arcos peraltados. Los arcos de los pabellones y extremos de los lados más largos pero son de&nbsp;cortina con&nbsp;mocárabes&nbsp;con paños de sebka calados sobre ellos. Los pabellones están cubiertos con cúpulas de media naranja que se apoyan en pechinas de mocárabes.

Es un retrato colectivo&nbsp;de la compañía de la guardia cívica de Ámsterdan, la compañía del Capitán Frans Baning Cocq, un personaje que se ubica en el centro de la escena. Cada personaje se retrata de manera realista.&nbsp;El pintor establece una serie de líneas diagonales y en zig-zag como forma de aportar dinamismo y profundidad. Pone&nbsp;todo el foco de luz sobre los personajes&nbsp;que él ha elegido, dejando el resto de la escena en cierta penumbra.&nbsp;El color es muy rico y con gran variedad de matices y contrastes.

Representa el&nbsp;mito&nbsp;de&nbsp;Eros&nbsp;y&nbsp;Psique&nbsp;de la&nbsp;mitología&nbsp;grecorromana, el momento en que Eros se inclina para besar a Psique, es decir, cuando van a unirse lo&nbsp;divino&nbsp;y lo&nbsp;humano. La composición se estructura en diagonales cruzadas semidesnudas, cubiertas por paños o por el cuerpo del otro personaje y, a pesar de la acción, sus rostros son serenos al modo del clasicismo griego. El&nbsp;punto de vista, aunque pueda verse desde varios puntos diferentes (de lado, trasero y frontal) es&nbsp;único. En cuanto a la relación con la realidad la obra es&nbsp;idealizada, puesto que trata de figuras mitológicas.

En esta pintura representa el empeño del hombre por conseguir la verdad racional. Esta cena se encuentra ubicada en un templo romano que se encuentra centrado donde en el centro destaca Platón y Aristoteles en el resto vemos varios grupos. La obra se encuentra cerrada por un arco de medio punto. La luz se encuentra como en pleno día ya que se ve luz y claridad, se ve el predominio de colores fríos y cálidos como el azul, amarillo, rojo etc. En la figuras se muestran en algunas movimiento y en otras se muestra estéticas.

Transmite un&nbsp;fuerte dinamismo a través del cruce de diagonales, formando un aspa. Resulta un&nbsp;grupo abierto en el que el movimiento del ropaje contribuye a transmitir la agitación del momento, acentuada, además, por&nbsp;	la sensación de inestabilidad provocada por la falta de apoyo de los personajes, suspendidos en el aire. La luz cenital, se derrama y&nbsp;envuelve toda la escena, creando un sensación de aparición milagrosa al espectador. Resalta la superficie sumamente quebrada de paños y nubes, salpicando la composición de zonas de sombras que contrastan con otras de intensa vibración lumínica. Su relación crea un&nbsp;intenso pictoricismo que huye de lo volumétrico.

La Maison Carree esta hecha de piedra calcárea aunque ahora es de color rojizo por el paso del tiempo . Tiene forma rectangular y se eleva sobre un podium . Es un templo de tipo postilo porque solo tiene una fachada que se accede por una escalinata y hay columnas que rodean al templo. El pórtico es profundo hexastilo con 6 columnas frontales y 4 laterales . Los elementos sustentantes son los muros y las columnas que estas miden 17 m y son de orden corintio , sus fustes acanalado y capitel con hojas de acanto . El templo se cierra creando un tímpano y el frontón no esta decorado con relieves . El edificio es un modelo de templo romano sin peristilo , y con una sola nave .

-Tiene una planta cuadrada dividida en 8 naves perpendiculares al muro de la quibla que constan de doce tramos que se apoyan sobre 110 columnas de diferente procedencia: romanas, paleocristianas, bizantinas... que soportan arcos de herradura policromados y pilares estos actúan como tirantes y los superiores de medio punto soportan los muros y el techo, creando una original arquería de arcos de sillería blanca y ladrillo rojo. -Los fustes de las columnas son de mármol y granito y varios presentan estrías verticales o en espiral -Los capiteles son de mármol blanco, de orden corintio y compuesto.

Esta obra nos cuenta la historia de San Mauricio y la legión Tebána que dirigía. La composición de la pintura es asimétrica y dinámica. La parte superior de la pintura se corona con un rompimiento de gloria en el que aparece diversos ángeles. Cabe destacar una plena influencia manierista , pues los colores son irreales ( fríos, ácidos, tornasolados y metalizados) y también encontramos figuras desproporcionadas y con formas serpentinatas. Aunque la luz aparece representada con el rompimiento de la Gloria , el espectador queda desconcertado pues hay sombras y claroscuros que no se corresponde con ese foco de luz.

-Retrato colectivo. -Representación de la reina y el rey en el centro. -Destaca el efecto de sombras. -Detalle en las joyas y los ropajes. -Gran representación psicológica. -Maestría en el fondo donde representa cuadros de su propia invención. -Predominio del color dorado. -Dominio formal de la luz y sutil detalle en las personalidades.

-Planta longitudinal de grandes dimensiones. -La fachada de la&nbsp;Catedral de Reims&nbsp;se organiza en tres cuerpos. -En el cuerpo inferior, hay tres puertas que se corresponden con las tres naves del templo. La puerta central es más alta que las dos laterales. -En el segundo cuerpo, en la calle central encontramos un gran rosetón, enmarcado en un arco apuntado, en las calles laterales, encontramos arcos apuntados decorados con tracería y rematados por gabletes que incrementan las sensación de verticalidad de la fachada.

Une una planta basilical con una cúpula central, con una disposición de 3 naves, siendo la central más ancha, pero la cúpula gravita produciendo la centralización. El núcleo de la nave central es un cuadrado sustentado por 4 pilares que sustentan la cúpula, que se refuerzan con contrapilares que produce sensación de centralización. La cúpula se apoya sobre 4 pechinas que enlazan la planta cuadrada, para ello se empleó piedra porosa y teja de Rodas. El interior es muy amplio, despejado y ligero. Las paredes son de ladrillo como los arcos y las bóvedas, cubiertas de dorados mosaicos que recibían el impacto de la luz. Las columnas se hicieron de mármol policromado que también cubrían pilares y zócalos. El efecto de toda la decoración se veía alentado por la luz.

El templete fue realizado en granito, mármol y travertino, con acabados de estuco y revoco. La edificación es de planta circular e imita a los martyria orientales, pues de hecho es un martyrium. Dispone de una columnata que envuelve a la cella, cubierta por una cúpula semiesférica. Esta columnata conforma un peristilo. Éste se erige sobre una escalinata seguida de un corto podio sobre el que se eleva la columnata de&nbsp;orden toscano, rematada por un entablamento (metopas&nbsp;y&nbsp;triglifos) coronado por una&nbsp;balaustrada. Tiene en total 48 metopas donde se representan los símbolos del papado.

En esta pintura emplea el tema mitológico, el espacio en el que se encuentra esta pintura es un jardín primaveral, en esta obra vemos colores vivos y cálidos. La figura más destacada de la obra es Venus que presenta un poco de movimiento, muestra un rostro de serenidad y usa ropajes pegados de la época, revolotea encima de venus cupido, que se encuentra con los ojos vendados apuntando con la flecha a las tres gracias. A la izquierda vemos a las tres gracias y  Castitas que se muestra con movimientos, rostro sereno y uso del ropajes de la época. A la derecha  vemos que en la mujeres se nota la delicadeza de las flores que tiene una de ellas, se encuentra en el árbol el ángel que se encuentra agarrando a la mujer. 

Podemos observar un claro ejemplo de horror vacui, el cuadro está lleno de gente, rodeando a Jesús que se encuentra en el centro con una expresión de aclamar al cielo. A su alrededor hay un gran alboroto entre la gente del pueblo, por detrás de Jesús tenemos a los romanos acusándole a punta de cruces de madera y un gran vocerío; y delante tenemos a la Virgen María y María Magdalena llorando por él, dándonos la sensación de introducirnos en la propia escena y estar en el cuadro al estar de espaldas a nosotros También destaca la gran variedad de colores vivos dando una sensación de luminosidad, destacando el traje rojo de Jesús; las expresiones además son muy variadas y produce sensación de realismo.

-Virgen de pequeño tamaño. -Se sostiene sobre tres cabezas de querubines que forman una nube. -El manto de la virgen sigue una línea helicoidal . -El manto cae de forma vertical. -Las manos de la virgen están desplazadas hacia la izquierda y aparecen unidas por las yemas de los dedos. -La cara es ovalada , ojos grandes y nariz fina , boca pequeña y piel pálida. -La cabeza está inclinada hacia abajo.

En esta arquitectura encontramos un exterior con 4 fachadas siendo dos de ellas más destacables. En la parte de abajo encontramos un muro almohadillado y un banco corrido, ademas encontramos anillas de bronce. En la parte de arriba tenemos unas pilastras de orden jónico, sobre tres balcones. Por otro lado vemos tres puertas siendo la del medio las más grande y por la cual transita las personas. En el interior encontramos un patio redondo, con dos plantas y columnas lisas entre medias. Esta formado de piedra y mármol. 

Fue construida a modo de relicario para albergar valiosas reliquias de la pasión de cristo adquiridas por Luis IX. Consta de dos capillas, la baja&nbsp;a modo de cripta, dedicada a la Virgen y de sólo 6 metros y medio de altura, y la alta, que destaca por tener vidrieras en lugar de muros, éstas representan escenas religiosas. Estas vidrieras están divididas en cuatro lancetas y se ven rematadas por un rosetón sixobulado y dos rosetones cuatrilobulados. &nbsp;Su&nbsp;techo es de pizarra&nbsp;y en él domina y se alza al cielo una gran&nbsp;aguja de cedro&nbsp;de 33 metros.

Es un retrato de medio cuerpo, sobre un paisaje que se divide en dos atmósferas, una más fría (la superior) y otra más cálida con colores terrosos (la inferior), pintado con una perspectiva aérea. Esta perspectiva poco clara y difusa da a la composición una gran profundidad. Se trata de una composición triangular cuya base son sus manos cruzadas y como pico superior su rostro, indicando serenidad. Su mirada fija junto con&nbsp;el cuerpo y las manos dirigidas a ángulos diferentes, y la ilusión creada por la técnica del sfumato hacen que la expresión de la mujer en el cuadro sea enigmática y ambigua.

Fue pintado para los Médici. Venus es la diosa del amor que nace de los genitales cortados de Urano por Cronos. El artista representa a la diosa desnuda llegando, tras su nacimiento, a la isla de Citera sobre una concha y acompañada de&nbsp;Céfiro, el dios del viento, junto a Aura, la diosa de la brisa, enlazados en un abrazo. En la zona terrestre encontramos a una de las Horas, en concreto de la primavera, que lleva su manto decorado con flores. Botticelli consiguió una figura magnífica aunque de modelado algo duro, reforzando los contornos con una línea oscura, como una estatua clásica. El artista toma como referencia la Antigüedad, los ropajes se pegan a los cuerpos, destacando los pliegues y los detalles.

En esta pintura se representa el matrimonio de ambos en una casa burguesa, podemos apreciar varios detalles como la ventana, el suelo de madera, el perro en el que se aprecian muy bien los pelos. Ambos visten con ropa ancha de esa época, se aprecian colores vivos y cálidos como el verde, el blanco , el negro entre otros. Utiliza la técnica oleo que permite hacer cosas detalladas, una composición cerrada y simétrica, la luz viene de dos focos. Esta pintura esta repleta de detalles uno de los más destacados es el espejo del fondo que esta entre ellos, que se ve el autor reflejado en el cuadro como que se hace un auto retrato. 

Se trata de un mosaico expuesto  sobe la pared de la iglesia  en el que podemos apreciar la figura de la emperadora ,Teodora en el centro del mosaico, esta es representada con una túnica mas oscura que la de los demás personajes para imponer su poder y prestigio sobre los demás .El mosaico de Teodora cumple las características principales del mosaico bizantino como: frontalidad de las figuras frente al espectador, ausencia del movimiento, hieratismo en el rostro ; el mosaico está hecho en mármol y aparece una fuente representando la vida

-Se trata de un patio rectangular con un estanque en el centro rodeada de plantaciones de arrayanes. -La alberca se abastece por medio de dos pilas de mármol situadas en cada extremo. De una fuente superior brota el agua. -Su suelo es de mármol blanco. -En el reflejo del agua se crea una ilusión óptica por su fachada reflejada en el agua -En la fachada hay seis arcos de medio punto pequeños y uno central grande decorados con ataurique. -Alrededor del patio hay dependencias.

La escena se da en una cocina. Una anciana vestida con colores blancos y ocres fríe huevos , el niño viste de blanco y pardo, con la mano derecha sujeta un melón y con la izquierda un recipiente de cristal. Esta escena se caracteriza por su luz la cual entra en la cocina del lado izquierdo al derecho, formando así claroscuros. La gama de colores es escasa destacando el amarillo, blanco, bronce, negro, verde y ocre en tono mate. El dibujo es preciso y la pincelada lisa. El punto de vista es elevado, lo que permite ver los huevos dentro de la cazuela de barro y la sombra del cuchillo dentro del plato de loza.

Cristo está representado ya muerto. Destaca por la increíble perfección anatómica. También de gran realismo patético y abundante sangre y heridas; características de la escuela de Castilla. Además sobresalen los paños acartonados.

El David se representa erguido justo antes del combate. Apoya su mano izquierda sobre el hombro, y en ella porta el saco de su honda. Desde allí, un arnés ciñe su espalda hasta la mano derecha, junto al muslo. Esta mano oculta lo que podría ser un fustíbalo, es decir, una honda de fuste, de uso común entre los romanos. -Rostro expresivo, serio. -Espectacular estudio anatómico -Grandes proporciones. -La figura se alza en cotraposto que recuerda a los modelos clásicos.

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