1 Recortes entre Filosofia e Arte Contemporânea

Recortes entre Filosofia e Arte Contemporânea 

​“Aprender a nadar, aprender uma língua estrangeira, significa compor os pontos singulares de seu próprio corpo ou de sua própria língua com os de uma outra figura, de um outro elemento que nos desmembra, que nos faz penetrar num mundo de problemas até então desconhecidos, inauditos. E a que estaríamos destinados senão a problemas que exigem até mesmo a transformação de nosso corpo e de nossa língua?” (Gilles Deleuze)

​Aprender a manipular os signos da arte contemporânea parece ser também habitar outros mundos. Vi recentemente uma live de um artista que descrevia o seu trabalho de arte como se fosse um pedreiro ou um arquiteto. Não tinha a menor ideia de falar do lugar de um artista.

​O que me espantou foi ele não ter a menor noção em relação à imagem que o trabalho dele evoca. Isso quer dizer que desconhece as filiações às quais seu trabalho se alia? Frank Stella, Tatlin…?

​As várias camadas da imagem da arte contemporânea a saber fundam e fecundam a remissão à história da arte, ao que não é dito (“fantasmagoria”) ou mesmo ao que perceptivelmente evoca como imagem-símbolo ou indício de alguma coisa. Nada disso, ele sequer dava pistas de mencionar.

​Contradisse Anselm Kiffer para quem fazer arte contemporânea é difícil prá caramba. Isso porque envolve um aprendizado que te tira do lugar e te joga num outro. Te lança num mundo de discussões tão diferentes do que cotidianamente transitamos na linguagem comum dos naturalismos.

Talvez a pergunta seja: como se constitui um artista contemporâneo? Da atualidade dos fatos? Das diversas “cozinhas” da arte? Das diversas perguntas que não necessitam ser respondidas? Não que eu esteja buscando fundamentos (por que as coisas são deste e não de outro modo? ou por que existe algo ao invés de nada?) porque até mesmo a ideia de fundamento já por si só lança a arte num lugar pré-determinado.

Aqui o espanto é livre!

ALINE REIS | 29 junho 2021

Uma longa tradição permite que possamos pensar as palavras como imagens. É como se pudéssemos fazer uma grande colagem de tudo aquilo que nos interessa. Proponho criar um jogo de palavras para pensar a arte contemporânea, são elas: dissociação, deslocamento, anacronismo, restos, rastros, vestígios, processos, experimentações, confisco, sentido, temporalidades, acontecimento, diferenças. Apesar de uma simples escolha proporcionar uma dica de onde pretendo montar minhas questões, não posso negar que a simples menção de uma unidade já nos joga para fora do jogo! É porque a arte contemporânea está situada num terreno ímpar, nela ressoa as vanguardas históricas do passado e outros longos percursos que permitiram pensar a experiência estética deslocando a ideia de arte do fazer artístico, em direção à práxis política, ou em outros caminhos ( a arte como ideia, inserida na vida…). Veja que não é perseguindo os desdobramentos históricos que conseguiremos enxergá-la melhor, então persigamos as palavras de Duchamp quando questiona que tipo de experiência temos, se a arte não está nem atrelada ao conhecimento e nem à beleza, estamos muito mais próximos de um exercício contínuo de desorientação. Significa dizer que um dos gozos está em enveredar pelos questionamentos que ela nos propõe. É nesse contexto de perda de um sentido total que a teoria entra como uma forma de dar sustento ao empreendimento. Não que a arte em si mesma precise, mas vislumbrá-la em sua precariedade teórica faz com que estejamos mais colados à desorientada experiência de nosso tempo. Aline Reis | Rio de Janeiro, fevereiro 2021

VÍNCULOS VITAIS ENTRE HÁBITO _____ HABITANTE

A urgência da denúncia e o caráter incontestável de assumir as agruras do Capital na pandemia de COVID-19 parecem ser as hipóteses mais prováveis para a leitura curatorial da exposição: Hábito ___ Habitante, no Parque Lage. A compreensão aqui não tem dois intuitos : nem ser totalizante, nem ser um pré-requisito da fruição estética, apesar de ser impossível nos tempos pós-psicanálise não desconfiar daquilo que enunciativamente ser dito como aquilo que não é. É que diante de tantas camadas possíveis de leitura da arte contemporânea algo ainda mantém a inviolabilidade da experiência. Nada a substitui. Ocorre algo nela que não pode ser descerrada por nenhum método, então não se trata de apagar esses contornos, mas de dobrá-los, adendá-los, enviesá-los, irisá-los, fractalizá-los¹ como forma de discuti-los (colocá-los para jogo). A começar pelo verde das paredes do espaço expositivo como um Chroma Key² que impede a leitura das etiquetas, perturba o ambiente, sufoca os trabalhos de arte que devem remeter ao ar livre, mas que curatorialmente é potente no intuito de perturbar “identidades” que estão lá expostas. Assim a “humanidade”, o “ambiente”, e mesmo as hipóteses sociológicas que incidem sobre o devir curatorial, parecem estar suspensas num “mundo” construído, isso porque o modo de simbolização que privilegiam (convencionam) são também elementos apropriados pelos artistas. Os vários regimes de vigilância são, em nossa época, o pesadelo das identidades únicas e universais, não há partilha ontológica. Guerra é guerra. ALINE REIS | 1 junho 2021

Um dos hábitos mais arraigados ultimamente é o artevismo que se manifesta em nossa ambiência virtual como prática do dia-a-dia. Tal demanda gera imagens e memes que podem ser captados pela câmera do celular. Essa constatação de um espectador mais antenado à visualidade pode gerar coletas superficiais das imagens (a esmo) quanto pode forjar “uma estética política (que) deﬁne-se sempre por uma certa remodelação da partilha do sensível, por uma reconﬁguração das formas perceptivas existentes”¹. ​A exposição Hábito_________Habitante, no Parque Lage, aponta nesse sentido, nos vários manejos que podem gerar novos agenciamentos subjetivos. O habitante tanto pode “conhecer” as estruturas discursivas engendradas pelos regimes de poder quanto desestabilizar o fluxo da subjetivação que o ________impõe: o derrame do ouro das colônias, as imagens que ardem, o discurso oficial de uma ecologia que privilegia uma em detrimento das demais, o trabalho que não parece como feito por pessoas reais e suas necessidades vitais, engolido pelo lucro e pela invisibilidade das classes sociais, entre outros. ​Olhar simplesmente para artistas e obras pode não disparar os dispositivos plásticos e relacionais que trazem para cena o ativismo político daqueles que fizeram a exposição acontecer (artistas, curadores, pintores, montadores), assim como não tensionar os limites das narrativas curatoriais, pode deixar intacto categorias e linguagens “gastas” “passadas”. ​Ao comer as paredes da exposição em sua performance, Felipe Abdala, cospe todo conteúdo de construção moldado pelos donos do poder. ​Toda desorientação é bem-vinda, longe de esgotar o “imaginário” da produção do trabalho artístico como imagem, a pergunta que se faz é: “Quem nos dá a esponja para apagar todo o horizonte”?² Se estamos em busca de uma reinvenção da “arte” numa reinvenção do “espectador”, tal pode ser a chave para compreensão da forma como habitamos o circuito da arte contemporânea. ¹ Rancière, Jacques. Estética e Política. A partilha do sensível. Entrevista e glossário por Gabriel Rockhill; tradução Vanessa Brito. Porto: Dafne, 2010. ²Parafraseando Nietzsche em A Gaia Ciência (aforismo 125).

MOBILIZAR SENTIDOS EM MÚLTIPLAS DIREÇÕES … 

COLECIONO PALAVRAS, TÍTULOS, PROBLEMAS … 

A arte contemporânea mobiliza sentidos em múltiplas direções. Uma dessas setas aponta para a importância do título num trabalho de arte. Escolher um título para um trabalho de arte contemporânea é quase tão difícil quanto realizar a obra. O título tem a especificidade de ser um elemento colado a obra ou mesmo uma quase-citação, aproximando ou distanciando o que nela arde como um fogo que queima. Ele pode assumir um lugar de dúvida ou uma forma de complementação ou mesmo dissuadir leituras fáceis… Um mistério. O caminho que devemos trilhar ao escolher um título percorre espaços de transição, entre o que pode ser dito e o que pode não-ser dito, mobilizando paradoxos dos mais diversos: desestetizando, rompendo, desmaterializando, transcendendo, mediando, legitimando, desartizando e estabelecendo interlocuções com o outro. ​O outro ao se deparar com o título já está irradiavelmente preso aos enunciados que nele comportam? O caráter enunciativo não é somente um dos aspectos a serem postos em jogo pela recepção crítica como podemos acolher uma multiplicidade de conversas com as quais a arte mobiliza as vísceras do mundo. De todas as tramas que podemos tecer é de se destacar que o título não é necessariamente narrativo, pode ser disruptivo, interferindo no espaço aberto de interlocução que o artista pressiona, podendo ser mexido e articulado em muitas outras posições, inclusive pondo-se de perfil, incapaz de ser e de aparecer. Vê-se que há um elemento próprio ao título que não se reduz a totalidade de seu signo. Ao estar no espaço expositivo, o título assume o seu caráter material, materializando-se tanto quanto a pintura, a escultura ou qualquer outra matéria constituinte da cozinha da arte contemporânea e é nesse exato “lugar” que ele se torna visual no mesmo estatuto historiográfico do trabalho de arte. ALINE REIS | 4 maio 2021

Não só coleciono palavras, títulos, problemas, mas às vezes tensiono pintá-los como num quadro. São paralelismos da arte contemporânea que podem ou não nascer da literatura. Neste caso, adianto que adorei os vários verdes que Proust escreveu no primeiro volume da obra “Em busca do tempo perdido”. Fui ficando fascinada a cada verde que ele colocava no texto. ​A minha superfície não foi o papel e sim a tela do meu celular. Coleciono prints de cursos de arte. Ao selecioná-los aqui fui observando as várias tonalidades que as temáticas em torno da arte contemporânea foram assumindo como suas. ​Como a arte contemporânea pensa as imagens? Muitos artistas e verdades e obras de arte medíocres nascem como simples mercadoria. Buscar fórmulas e sentidos fechados é o que caracteriza o fascismo em todos os sentidos. Arte, necessidade vital? O Brasil é, entre outras coisas, um projeto estético que procurou articular certa forma muito específica de modernização e modernismo. ​A arte como cura e reinvenção de si. Explosões do positivismo ou uma antropologia do ponto de vista da imagem. Corpo-documento. Abrace os acidentes. Se a arte tivesse conseguindo se dissolver na vida… Arte, pensamento, performatividade. Rasgaduras e aparições: como permanecer no dilema. ​Como unir temporalidades? É um contexto de batalha semiológica e epistêmica pelo significado, pela definição e pela representação da realidade.Percebe-se que os códigos prévios necessários para compreensão da arte contemporânea não circulam nestes territórios. ​Uma leitura possível considerando o uso da palavra por parte dos artistas como fio condutor. Territórios curatoriais. Será que a imagem é o conteúdo da obra? Reavivar e retorcer. Ninguém é maior do que a história!Inversões dialéticas e agentes duplos. Encontros e fruições. Como traduzir pra estrutura de um texto literário as diversas interferências e referências que nos levam à própria concepção do texto? A espessura do mundo. Arquivos próprios sob parâmetros específicos para criar contra narrativas. O gozo fálico organiza a ordem social, por isso depor a gramática é uma forma de revolução. Como as práticas artísticas são atravessadas por práticas curatoriais com o intuito de tornar público o trabalho artístico? A ordem foi retroativa no tempo, poderíamos embaralhá-los sem que perdessem a unidade e ao contexto no qual se referem. Quem investiga arte contemporânea, há de se embrenhar por cada tom de verde que a proposição acena, sem contudo perder o rumo da circularidade de nossos pensamentos. ALINE REIS | 11 maio 2021

POÉTICA E METODOLOGIA CURATORIALDA 34ª BIENAL SP” 

​O que significa dizer que “cada pensamento tem a sua paisagem”? Se adotarmos como caminho a ida da filosofia à arte contemporânea, podemos dizer que determinadas formas de pensar produziram um impacto considerável na tradição ocidental e ensejaram variadas paisagens: pintada, esculpida, colada, ausente, não só como uma janela para a alma, dentre outras. ​Se começarmos pelo pensamento de Nietzsche veremos que o niilismo de “hóspede indesejável” passou a perpassar a experiência contemporânea da arte, o que aparece no mofo das frutas em meio a natureza morta, no descascado das paredes da galeria como suporte ao trabalho de arte e uma série de obras que mostram a imaterialidade das coisas do mundo, os vestígios, as precariedades, os restos. Entendo que a medida histórica no qual a arte contemporânea emerge diz muito mais sobre os seus modos de ser do que o fato de ser meramente um desdobramento da arte moderna. A história da arte traz também escolhas teóricas, adota discursos e legitima obras e artistas, portanto identificar a paisagem como representação da natureza na pintura e relacioná-la a adoção moderna de perspectiva é um desdobramento possível e remonta à tradição da filosofia cartesiana. Vejam que pensar sobre a relação entre pensamento e paisagem pode partir de várias outras perspectivas, se quisermos partir do mundo já dado, destituindo os objetos de sua instrumentalidade, utilizando-o como “um plano e um acaso” como disse Richard Long, podemos colocar em jogo a experiência da arte nos limites factuais, históricos e finitos. E como se tudo não fosse apenas ontologia, podemos vislumbrar uma nova paisagem surgindo na arte contemporânea atrelada à genealogia (o fio condutor também Nietzsche) que trata de pensar os fenômenos históricos na sua relação entre sentido e poder, também de forma material, de subjetivação dos corpos numa perspectiva chamada decolonial. Aline Reis | Rio de Janeiro, março 2021

O intuito aqui é tecer algumas considerações sobre a poética e a metodologia usadas por Jacopo Crivelli Visconti (curador geral), Paulo Miyada (curador adjunto), Carla Zaccagnini, Francesco Stocchi e Ruth Estévez (curadores convidados) extraídas de uma live da pós da FAAP, na qual não só Paulo e Carla falaram, mas como as entendi dentro de um contexto maior de estudos curatoriais nos quais me interesso. A concepção e construção dessa Bienal constrói um enunciado, muito mais que um título, como forma de tensionar o diapasão dentro e fora da instituição para poder cantar num tempo no qual “o breu que nos cerca foi se adensando: dos incêndios na Amazônia que escureceram o dia em São Paulo aos lutos e reclusões gerados pela pandemia e as decorrentes crises políticas, sociais e econômicas” e reivindicam “ao mesmo tempo o direito à opacidade, tanto das expressões da arte quanto das identidades de sujeitos e grupos sociais. Não precisamos entender tudo, nem nos entender todos, trata-se de falar nossa língua sabendo que há coisas que outros idiomas nomeiam e nós não sabemos dizer”. Os enunciados funcionam por entre as escolhas dos objetos: um sino que ecoou na noite em que Tiradentes morreu em 1792 e que em 1960 foi levado à Brasília por Juscelino ou no retrato de Frederick Douglas, abolicionista, estadista e escritor estadunidense, mais retratado que Abraham Lincoln em sua época, entre outros. A urdidura dessas redes traçam outras apreensões com a obra como se funcionassem como índice de trabalho. O exemplo dado pela curadoria é a obra de Antonio Dias ao lado do sino. De todas as camadas acrescentadas ao discurso curatorial é significativo a relação que querem alcançar com o entorno expositivo da Cidade, não só ampliando os significados dos objetos e das obras como relacionando-os às demais exposições que são visitadas pelos mesmos atores sociais que visitam à Bienal. Trata-se de ampliar a rede conceitual numa rede remissa que englobe arquitetura, campo expandido e crítica política. Para tanto, utilizam como referencial teórico Édouard Glissant, Eduardo Viveiro de Castro e Thiago de Mello. Ressoa na experiência da arte um gosto amargo da história colonial brasileira, na maneira como os povos escravizados tocavam os sinos das igrejas mineiras, na posição de um tempo de opacidade, niilista, afeito ao intempestivo contemporâneo que ainda europeu entrelaça a pouca intimidade entre a Bienal e o seu público. ALINE REIS | 16 março 2021

Há uma longa tradição por detrás de pensar a arte a partir da literatura. Vários autores através dos séculos teorizaram a arte levando-a em conta, voltando-se para ela. Sartre, por exemplo, no “Que é Literatura?”, embora tivesse como meta incidir sobre o engajamento da arte na práxis política, também não se furtou a constituí-la dotada de protagonismo sobre as demais (a música, as artes plásticas e mesmo a poesia). É significativo também que os conceitos usados para adorná-la em discussões teóricas trouxessem à tona escolhas linguísticas muito próximas à história. O caráter de narrativa tão discutido por teóricos também não passa desapercebido nessa apreensão, vemos que ainda há na urdidura das redes curatoriais traços de discursividade. De Hegel ao pensamento genealógico, alteridades, camadas, alcançam rastros e vestígios de sedimentação histórica que devem ser removidos e descobertos numa “nova” arquitetura, menos filosófica e mais científica, de campo expandido e crítica política. Ainda há um traço moderno na arquitetura curatorial quando pensa o texto como um pilar firme do edifício que deve erigir. Pensar um texto como uma arquitetura (Kant) ainda nos parece dizer muito sobre como iremos estruturar as escolhas curatoriais, das obras aos artistas, do entorno do museu ou espaço de arte ao mundo, do que a forma ou o lugar no qual os trabalhos de arte serão mostrados. A intenção de colocar em xeque a maneira como a curadoria se estrutura e no que se alicerça é o motiva a compreensão. Uma forma de sair desses vários impasses é logo descrever que há uma pluralidade, não há uma só Arte e nem a Arte e sim as Artes, ou mesmo há a particularidade que incide sobre o universal. É forçosamente imperativo descobrir que a forma de lidar ainda guarda traços históricos bem delineados. Contradições. O corpo ainda mantém marcas das paixões de outra cama. Nisso, o circuito de arte traz vivamente, quem interessa, quem deve ser considerado, o que é arte… E como a estrutura curatorial ainda se parece muito mais com uma arquitetura do que uma escultura (pressionar os dedos por sob a matéria), muito mais uma maquete do que um molde maleável, é necessário falar, desfazer, combater. A rigidez é palpável mesmo na fina camada de pó que não mais adere à mesa de cabeceira, traço do contemporâneo do existir das coisas no mundo. ALINE REIS | 23 março 2021

Relendo o texto de Joseph Kosuth “A arte depois da filosofia” (no livro Escritos de Artistas: anos 60-70 organizado por Glória Ferreira e Célia Cotrim da editora Zahar) me deparei com a citação de Ad Reihardt: “A única coisa a ser dita sobre a arte é que ela é uma coisa. A arte é arte-como-arte e todo o resto é todo o resto. A arte como arte não é nada além da arte. A arte não é o que não é arte”. Isso me fez pensar numa série de questões que gostaria de compartilhar aqui. Dos vários cursos e encontros que participei nunca me passou desapercebido que o artista ou o curador partiam de algum lugar para falar sobre arte. Parece bem simples essa afirmativa, óbvia antes de tudo, mas não é. Partir de um ponto dado, um referencial teórico já previamente construído (pela história ou pela adoção de uma escolha teórica bem articulada) traz desdobramentos de aspecto formal que incidem significativamente na apreensão do que é arte. Uma vez numa exposição conversando com um curador ele me perguntou se eu ia da filosofia à arte ou da arte à filosofia e essa mera sugestão me deu um lugar no mundo. Eu olho da filosofia para a arte e isso faz toda a diferença na construção do meu trabalho de pensar a arte contemporânea. Recentemente vi uma professora dizer que parte da educação para a arte, o que muda significativamente o campo no qual estamos proferindo as sentenças e os enunciados. Como o intuito aqui é invadir a contemporaneidade a partir do território transdisciplinar da arte, as interseções entre àqueles que a tem como paixão promovem o surgimento da coisa da arte e nada mais (todo o resto é resto), em intercâmbios de apreensões distintas (e leituras desiguais), e tal alinhavo produz novos sentidos da arte como coisa, costurando noções, mapeandopossíveis discursos (historicizantes ou não), fazendo surgir a pesquisa, compreendendo que a arte contemporânea alarga os horizontes em qualquer uso que se faça de seus processos. ALINE REIS | 30 março 2021

“A obra foi se abrindo para mim…” essa frase que mais parece ser dita numa aula de arte, ou mesmo num “papo de ateliê”, surgiu numa aula de filosofia. É claro que nesse blog estamos traçando sempre paralelos entre os vários campos de conhecimento, mas para quem está vinculado a alguma aula de acompanhamento de arte nada disse soa estranho. Uma das características mais arraigadas da arte contemporânea é justamente alcançar outras territorialidades. Hoje coexistem tantas “cozinhas” (da matérica pintura à imaterial lida com as palavras) que quase podemos dizer que existe uma meta-arte. Somado a isso, utilizamos vários conceitos de outros campos de saber nas discussões acerca da prática artística, o que permite que tais apropriações ficam cada vez mais próximas das camadas interpretativas que lançamos ao decodificar um trabalho de arte. Eu pego meus inúmeros cadernos cheios de anotações de aulas de filosofia, de arte, de sociologia, de antropologia, de fichamentos e todos eles misturados me envolvem quase centrifugadamente em direção aos mesmos desejos. Quando começa uma coisa e termina outra é quase como um beijo que nunca termina. São duas bocas (ou mais) misturadas e a baba que escorrega revela a própria história. Um amigo engenheiro me diz certa vez, não me lembro em qual contexto: “Testando as bordas”, diz que é preciso ter prévia explicação do objetivo e do sumário. Aí gamei na frase. Me pareceu que em vez do famoso lema de Hélio Oiticica, “o museu é o mundo”, as palavras (e frases) são um novo habitar. Fruto da tradição do pragmatismo, do Círculo de Viena?! Possível interpretação se aliada à dimensão decolonial de branquitute. ​Para quem está envolvido nos “papos de ateliê” nada disso passa desapercebido. ALINE REIS | 18 maio 2021

O regime de imagem que circula é nada mais do nada. Uma casca dela já é suficiente para entreter meio mundo. Se o fio que tenho que puxar é o do capitalismo (acredito que seja), também me parece simplista ser somente ele o detentor dos seus direitos autorais. Tampouco a tradição, tampouco a historiografia. Gosto muito de trilhar os caminhos que os teóricos apontam, cada um a sua maneira engata a discussão partindo de um ponto de vista fascinante. Tombam na literatura, quase sempre. Reordenam a ordem dos livros na estante. Vão à natureza. Instigam os artistas às novas direções corporais. Aí floresce todo o tipo de associações: palmeira, arquivo, vulvas. O pensamento vem conectado com a técnica. Nada parece coincidir com nada, mas não é mera retórica. Se vem de outras artes? Também. Mas elas não são iguais em domínio e uso. As narrativas se constituem numa constelação de fatores. As artes plásticas parecem vir da chave da literatura. Essa forma de pensar remontaria aos iluministas? Voltaire? Tudo incidi onde se estabelece um começo. Hoje arriscaria o idealismo alemão e o marxismo do século XX que misturados dão uma boa noção do percurso para quem quer estudar curadoria de arte contemporânea. Não que seja esse lugar o mais acertado ou o único, longe disso há alternativas não-europeias para isso. O deslocamento da sociologia das ausências de Boaventura Santos parece ser um novo colírio aos olhos. Sloterdijk numa outra ponta também. Parece haver um outro mundo a ser posto em jogo e é nesse contexto que as artes plásticas estão presentes no regime de imagem. É o sítio onde se pensa o próprio trabalho de arte: como conteúdo? Como obra? Como produto? Não assumir para si tal empreendimento é ficar cego aos nossos dias. ALINE REIS | 25 maio 2021

Apresentamos semanalmente posts de nossos colunistas, com textos sobre Arte, dicas de exposições, projetos sendo realizados, sugestões de vídeos de arte, entrevistas, exposições virtuais e destaques. Contamos com colaboradores de várias regiões do Brasil e exterior.

Possui graduação em Comunicação Social – Habilitação Radialismo (Rádio e TV) pela Faculdade da Cidade, pós-graduação em Crítica e Curadoria de Arte pela EAV, pós-graduação em História da Filosofia e mestrado em Filosofia pela Universidade Gama Filho. No campo da Arte Contemporânea tem trabalhos expostos nas plataformas ArtMaZone e Acessoartecontemporanea, com ampla leitura teórica e interesse em Curadoria de arte, tanto em relação à concepção quanto à pesquisa.

34ª Bienal de São Paulo | Antônio Dias

Foi me dada a incumbência de escrever sobre um dos artistas da 34ª Bienal de São Paulo como os outros colunistas do blog, mas como aqui meu intuito é relacionar filosofia e arte, não me pareceu justo chegar perto de um trabalho artístico com as mãos cheias de teoria. A excelência e magnitude do trabalho do artista Antonio Dias é uma outra inibição. Minha intuição sempre me disse que ao vê-lo nas bienais havia um duplo gesto em jogo: um, a certeza da qualidade do artista como propositor nos diversos jogos da arte e outra, a receptividade ímpar em relação às camadas curatoriais depositadas pelos curadores. Pergunto-me o que realmente importa? Dissertar, relacionar, recortar a linguagem estética de tal forma que nos favoreça sua presença ou enquadrá-lo no cercado curatorial necessário à exposição? Normalmente o caráter narrativo advindo da literatura parece ser a saída mais próxima, mesmo as infindáveis narrativas textuais que forjam críticos e historiadores no intuito de alcançar a plasticidade do trabalho de arte parece disfarçar o jogo que o trabalho de arte propõe. Proponho ver a obra escolhida pela bienal desatrelada de qualquer explicação, qualquer narrativa ou citação. Vá lá (mesmo que virtualmente) e sinta (mesmo que através da pele da técnica do computador ou celular) o que há. E nesse encontro com a obra deixe aparecer o que tanto nos interessa. Deixe os curadores em seu lugar de propositores sem fim, deixem assentar por sob o pó do tempo as explicações que foram sendo catalogadas em numeráveis arquivos, infindáveis maneiras de reter o gesto e o gosto que cada trabalho alcança (a todos nós) na vida. Há sim um outro lugar para visitar e ele começa inexoravelmente no contato com a obra de arte, que a partir de um outro referencial teórico, tornou-se trabalho de arte. Portanto, ao enunciar o que se vê já estamos levando a tradição no lombo. Sejamos então “burros como pintores” para ver com olhos livres! Se a lógica aqui me guia, melhor derrubá-la! Nem mesmo a lógica é um instrumento correto para apanhar a obra. Aline Reis | 20 abril 2021

Venho observando nos últimos dez anos que a arte contemporânea tem acentuado a interdependência entre arte e política com um acréscimo especial: há um vínculo com o campo científico. Equivale dizer que as curadorias têm envolvido teses, enquadramentos e démarches teóricas cujo objetivo é circunscrever um campo sociológico (ou mesmo advindo da Antropologia Visual), com clara adoção de palavras como enunciados e outros para dar legitimidade ao processo histórico. Essa constatação me veio a partir de duas experiências: uma exposição no Parque Lage, em 2018, que tinha como título “Campo”, e recentemente ao ouvir uma amiga artista falar sobre o seu trabalho de arte (esse termo também é significativo), dizendo que ainda não poderia “estabelecer o particular e o universal” nas imagens do seu vídeo. Não tenho dúvidas de que o elo entre a arte e a política culminando em ações de artevismo são motivadas pelo marxismo no Brasil. Essa camada epistemológica depositada em nossa história assume um protagonismo que está presente nos livros curatoriais e nas exposições. Antes de ser um comentário crítico aos atores envolvidos é apenas uma constatação, sendo oportuno ressaltar outros aspectos também de natureza historiográfica na apreensão do fenômeno. Assumindo a arte como uma área da ciência (para esticarmos ainda mais o conceito) podemos ressaltar a psicanálise na dimensão curatorial brasileira como uma fonte de captura e discurso, e mais recentemente o desdobramento decolonial que vem contribuindo significadamente para postular uma ética e uma estética do reconhecimento de nossa história como país desigual, branco, elitista e de matriz européia. A coexistência (e reciprocidade) entre as novidades factuais e teóricas são uma pré-disposição para as mudanças de paradigma. A percepção é que o empreendimento de um novo paradigma requer novos instrumentos teóricos. Autores modernos europeus já não dão mais conta da revolução operada pelo educativo que inclui também a discussão queer e o feminismo. São outros livros a serem postos em jogo. Depois da assimilação da descoberta, abre-se o campo. Parece-me que na arte a dinâmica é inversa. Abre-se o campo e “decidimos” nos livrar daquilo que se consolidou como discurso normal, uma vez que esses vocabulários se tornam “entediantes”. ALINE REIS | 27 abril 2021

PERSEGUINDO A GEOMETRIA ANALÍTICA DE KUSUTH

Mesmo perseguindo a contemporaneidade na arte no que tange às várias acepções teóricas que incidam sobre ela, não há dúvida de que ao reler o texto de Joseph Kosuth “A arte depois da filosofia” (no livro Escritos de Artistas: anos 60-70 organizado por Glória Ferreira e Célia Cotrim da editora Zahar), tenho que admitir que é na filosofia que encontramos as respostas para pensar de modo mais aberto possível a definição de arte conceitual, a natureza de sua proposição linguística e os erros que a camada da crítica nos legou sobre a superfície dela. No afã de destituir críticos e artistas formalistas (menciona Greenberg e Pollock de forma nada lisonjeira) para os quais o lastro estético ainda se mantém perceptível enviesando a apreensão da arte, Kosuth propõe a analogia entre a condição da arte e a condição da proposição analítica como forma de dar conta do caráter tautológico da arte que não pode ser medido sem levar em consideração as consequências lógicas que dela advém. Isso significa dizer que o artista como um analista se preocupa muito mais com o modo de aparição do seu trabalho do que com a qualidade dos objetos que expõem, está diretamente mobilizado pela potência de uma investigação sobre os fundamentos do conceito de “arte” e no sentido que acabam adquirindo no contexto da arte. Equivocadamente os teóricos focalizaram o aspecto negativo da arte conceitual (a imaterialidade e a antiobjetividade) como proponderante, mas a pista além de falsa só realça a degradação da coisa. Se ainda estamos tratando de uma ontologia (o “ver” está diretamente em jogo) a apreensão deve se manter no terreno da lógica. Se “a única exigência da arte é com a arte” e “a arte é a definição da arte” trata-se de mantermos no plano da filosofia da linguagem e no a priori (juízo analítico de Kant) para compreendê-la em sua dimensão propositiva. É nesse solo que está fundada a arte conceitual do século XX. ALINE REIS | 6 abril 2021

Não é só tempo. Ainda penso o espaço e o corpo porque tenho um pensamento marcado por determinados autores. Fui forjada numa tradição que me deu um lugar para existir. Todos nós. Ainda assim tento (labirinticamente) compreender o contemporâneo nos seus recônditos mais longitudinais, entendendo que a experiência da arte traz “cem anos antes (pelo menos)” o que vivemos como um hoje. ​Pensando nos sentidos que o mundo nos aponta (teoricamente e factualmente) temos hoje algumas questões para pensar. Como o curador ou crítico destitui as démarches históricas na captura dos trabalhos poéticos? Pode ele se retirar do horizonte já dado, teórico ou factual, da familiaridade com a literatura e da tradição filosófica? Se não pode, não estaria colocando uma outra camada no trabalho de arte usando de um ardil que fecundaria uma “outra” imagem que bem pode ser o “último” simulacro? Mesmo quando estamos tratando de fotografias, de vídeos e de cinema, ainda guardamos os vestígios de outras obras pretéritas, podendo inclusive fazer outras associações (de todo tipo) para conferir uma contemplação estética mais confortável e familiar, sublinhando a narrativa na descrição de uma obra de arte. Tudo isso parece estar explícito em algumas obras de determinados artistas que trazem os vestígios e os restos do mundo para dentro e para fora do espaço expositivo. A visualidade da arte contemporânea suga todos esses aspectos, basta lembrar da poeira que adentra as instalações de Rivane Neuenschwander. Os artistas parecem driblar a constituição de um mundo muito ordenado e científico, lançando mão da experiência da arte como produtora de sentidos intrínsecos a ela mesma, subvertendo a ordem das frases, criando lacunas que passam por entre a vida. O tempo marcado na experiência das coisas pode trazer as coisas marcadas pelo tempo… ainda procuro as lacunas o contemporâneo. ALINE REIS | 13 de abril de 2021

Os percursos que um artista (ou um não-artista) faz são matéria para o seu portifólio. Proponho alargar os caminhos para inserção de uma série de fatos. A paixão pela arte contemporânea continua a ser a razão de todas essas loucuras que proponho aqui. O começo é a vontade de manter acesso a algo que ainda se mantém e continua a ressoar mesmo quando passo pela quina da parede expositiva, mesmo quando fecho o livro que estou lendo…

Entre a complexidade histórica e o protagonismo dos artistas no processo de moldar o fazer da arte contemporânea salta aos olhos o fato de que os “motivos” e os interesses foram sendo “achados” em todos os lugares, principalmente, em lugares de não-arte como assinalou Kaprow¹. Isso significa dizer que definitivamente algo que deveria estar fora entrou no circuito da arte.

O limitante diagnóstico da “hiperconsciência de si mesma e de seus arredores cotidianos” é incontestável, embora ainda haja fôlego para outras investidas. Difícil é passar da barreira linguística e da visão de mundo que os textos de arte (de Estética e de Filosofia da Arte em outros momentos) nos impõe. Ao surgir no horizonte as várias quebras (novas mudanças de direção)que engendram o nosso repertório, temos a impressão de não ter mais para onde ir… Como dar esse salto?

​Vemos que os teóricos em suas teses usam a visualidade do trabalho (tese) como se estivessem manipulando um trabalho (de arte), curadores lidam curatorialmente com a hipótese da exposição levando em consideração todos os agentes envolvidos (trabalho de todos que colocaram em pé a exposição) e as várias camadas que passam a aparecer são incorporadas ao “trabalho”. Não mais obras de arte, e sim trabalhos de arte. 

​Significa dizer que para além da dimensão ideológica do tratamento dado à arte (outro assunto importante), os arredores do mundo passaram a ser significativos na visualidade do fazer na arte contemporânea. Então, mesmo o portifólio passa a ser “visto” como uma possibilidade de trabalho e nele cabe tudo. Forcemos o inatingível que ressoa no espectador.

ALINE REIS | 15 junho 2021

Assistindo ao Roda Viva com a escritora Chimamanda Ngozi Adichie percebi que a arte precisa ser tratada de outra forma. Esperava encontrar uma ativista instrumentalizada com jargões acadêmicos feministas, decoloniais, negros, esperava encontrar Judith Butler e o que encontrei me desarmou. Isso porque já tinha antecipado, futurizado o horizonte das discussões que ela iria abordar, tão motivada que estava de saber o que ela iria dizer para relacionar imediatamente às discussões do circuito de arte contemporânea brasileiro. Presa a isso vi embaralhar topologicamente as imagens da arte num movimento de afastamento. O que me trouxe para mais perto foi a maneira como ela trata a literatura. Me fez lembrar Juliano Pessanha quando fala do regime de intimidade que só os bons encontros nos dão… Antes de teorizar, vive-se, assenta-se naquele espaço e faz surgir. A experiência da arte é dessa ordem. ​Procurei aqui trazer contribuições para a leitura das discussões feitas no circuito e agora a autora me deixou sem palavras. Imagino que tenha frustrado as ativistas em suas respostas, dizem que tal situação foi engendrada pelo próprio programa em relação à linha editorial, mas tal deslocamento não inviabiliza nem a força da autora nem as posições que ela assume. Depois de Chimamanda, revi o Instagram e tudo nele me pareceu militância. Não que a militância não tenha valor, só que não consegui ver os trabalhos de arte que aparecem tamanha a importância dada aos discursos, às hipóteses, ao regime da novidade, as disposições do capital e aos exercícios diários de inventar a pólvora todo dia. É o que os grandes escritores fazem conosco: produzem silêncio. ALINE REIS | 22 junho 2021

¹Inversamente complementar é uma provocação. Uma tentativa de avesso que provocaria um curto circuito temporário para admitir que as pessoas podem nos surpreender e fazer com que saiamos das velhas posições.

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