Romanticismo musical

El Romanticismo es quizá la época más brillante de la Historia de la Música, ya que por primera vez el lenguaje del sonido adquiere la categoría de lenguaje privilegiado por encima del resto de las artes. Se plantea una nueva visión de la Música que plantea la superioridad de la música sobre todas las artes.
Delimitamos su cronología entre los años 1800 y 1890. La Música Romántica es fruto de la nueva sociedad surgida de la Revolución Francesa, que exalta la libertad del hombre por encima de todas las cosas.
El compositor es admirado y reconocido como “genio creador” por el público y es un profesional libre. Sus temas preferidos son la vida, la muerte, el amor, la naturaleza, la noche, la fantasía, lo exótico...
Por otra parte, la pretensión romántica de “el arte por el arte”, sin condicionantes, lleva a la música a una gran libertad formal y expresiva, donde la melodía es el elemento más importante.

Se desarrollan dos tipos de Romanticismo:
1- Romanticismo íntimo: se caracteriza por una importante producción de pequeñas obras para piano y para voz y piano.
2- Romanticismo espectacular: se caracteriza por obras de grandes dimensiones como la música programática y el drama musical.

LA ORQUESTA ROMÁNTICA.
La Orquesta Romántica crece en tamaño y extensión se multiplican en cantidad los ya existentes, llegando a contar la orquesta con 95 músicos o más. Son especialmente importantes las aportaciones que hacen a la orquesta Berlioz, Wagner y Mahler.
- CUERDA: violines 1º, violines 2º, violonchelos, contrabajos y el arpa.
- VIENTO-MADERA: flauta travesera, flauta piccolo, clarinete, clarinete bajo, oboe, corno inglés, fagot, contrafagot y saxofón
- VIENTO-METAL: trompas, trompetas, trombones y tuba.
- PERCUSIÓN: timbales, gong, bombo, lira, celesta, marimba y vibráfono.
Por otra parte hay una búsqueda del virtuosismo, sobre todo en el piano y en el violín.

¿CÓMO RECONOCER LA MÚSICA ROMÁNTICA?
Los principales elementos musicales que definen la música del Romanticismo son los siguientes:
- Ritmo más libre y pulsación más flexible.
- Importancia de la melodía: la melodía se convierte en el elemento más importante, pero se busca crear melodías bellas y apasionadas. Se incorporan giros melódicos procedentes de la música popular.
- Riqueza armónica: las armonías se enriquecen con modulaciones o cambios de tonalidad constante, cromatismos, uso de disonancias...
- Riqueza de matices: los contrastes de dinámica forte-piano son constantes y espectaculares, y hay un uso continuo de “crescendo y diminuendo”.
- Empleo flexible del movimiento y la pulsación: uso de “accelerando y ritardando”.
-Textura compleja y densa, no clara.
- Libertad en cuanto a la forma.
- Importancia del timbre: se produce un gran crecimiento de la orquesta. Además, hay una búsqueda del virtuosismo, sobre todo, en el piano y el violín. Se produce un gran auge de la música para piano.
- Búsqueda de la unidad de la obra con nuevos sistemas como los siguientes:
1- “Leitmotiv o idea fija”, consistente en un tema musical que personaliza a alguien o algo y que se repite varias veces a lo largo de la obra.
2- “Sistema cíclico”, consistente en una idea musical que se repite en todos los movimientos de manera cíclica, y que da unidad a la obra.

LA MÚSICA VOCAL EN EL ROMANTICISMO.
LIED ROMÁNTICO.
El “lied” es una composición de breves dimensiones, para voz e instrumento acompañante, y en la que se pone música a un poema en alemán, logrando así la unión entre música y poesía. Es una forma propia del “Romanticismo íntimo”.
El lied es una obra singularmente alemana y destacan compositores como Schubert, Schumann, Brahms y Wolf.
Franz Schubert (1797-1828) fue un compositor muy prolífico, que compuso numerosas obras de música de cámara, obras religiosas, óperas, sinfonías...
Compone más de 600 lieder, que agrupa a veces en colecciones, como “La bella molinera” y “Viaje de Invierno”. Pone también música a 41 poemas de Schiller.
Schubert pretende expresar musicalmente el contenido del poema y en sus lieder hay una unión perfecta de música y letra.
Sus temas preferidos son el amor, la muerte y la Naturaleza.
Eran famosas las “schubertiadas” o reuniones de amigos de Schubert para escuchar la música recién creada por él. La mayoría de su obra quedó inédita durante su vida.

LA ÓPERA ROMÁNTICA ITALIANA.
En el siglo XIX, la vida operística italiana constituye una de las páginas más gloriosas de la historia de la música. Pocas veces hubo tal unión entre creador y oyente, de forma que el pueblo italiano del siglo XIX observa y oye en el escenario sus preocupaciones y sus anhelos.
Podemos señalar cuatro características como distintivo del canto italiano:
- Belleza de la melodía.
- Gran virtuosismo de la voz.
- Presencia del coro, arropando y dramatizando el canto.
- Los protagonistas cantan temáticas que interesan al pueblo italiano.
Los artífices de este cambio fueron G. Rossini y G. Verdi.
Gioachino Rossini (1792-1868) representa la culminación de la ópera napolitana y crea un modelo operístico en Italia. Su primer éxito lo alcanza con su ópera “Tancredi” a la que siguen “La italiana en Argel”, “El barbero de Sevilla” y “Guillermo Tell”.
Muchas de sus óperas se estrenan en París, convirtiéndose en uno de los personajes más admirados del siglo XIX. Con 37 años, y habiendo alcanzado fama, se retiró y ya no escribió más óperas.

La ópera italiana tiene otros dos nombres importantes, que son Bellini y Donizetti, autores representativos del Belcantismo italiano.

GIUSEPPE VERDI (1813-1901) es el más grande operista del siglo XIX y es famoso por escribir óperas de marcado espíritu dramático. Las cualidades de la obra de Verdi son las siguientes:
- Arte espontáneo y natural.
- Elige temas de interés para el pueblo italiano (Il Risorgimento).
- Predomina la voz humana sobre la orquesta.
- Da importancia al coro, como en casi toda la ópera romántica.
Algunas de sus más famosas óperas son: “Luisa Miller”, “Nabuco”, “Rigoletto”, “El Trovador”, “La Traviata”, “Aida”, “Otello y “Falstaff”.
Verdi se convierte en una figura nacional y en un símbolo de independencia del pueblo italiano.
La ópera italiana desemboca en el Verismo, tipo de ópera con la que se pretende exponer y pintar la realidad tal como es, y su máximo exponente es Giacomo Puccini, con óperas como “La Bohéme”, “Tosca” y “Madame Butterfly”.

LA ÓPERA ROMÁNTICA ALEMANA
Carl María von Weber (1786-1826) crea un modelo de ópera para los alemanes, capaz de portar un significado nacionalista. Entre sus obras destacan “El cazador furtivo” y “Oberon”.
RICHARD WAGNER (1813-1883) crea un nuevo sistema operístico de gran trascendencia. Las características de su ópera son las siguientes:
- Se basa en la mitología alemana (creencia de una nación alemana).
- Consigue crear una obra de arte total o “drama musical”, en la que se dan la conjunción de varias artes como poesía, música, danza, decoración...
- Da gran importancia a la orquesta, convirtiéndola en el punto crucial de sus óperas, y en el medio para expresar emociones.
- Crea un elemento orquestal, el “Leitmotiv”, que es un motivo musical que caracteriza a los principales personajes.
- Compone una “melodía sin fin o infinita”.
- Riqueza armónica y expansión del lenguaje tonal.
Sus obras más destacadas son “El buque fantasma”, “Tanhäuser”, “Lohengrin” y su Tetralogía denominada “El anillo de los Nibelungos”, compuesta por “El oro del Rhin, La Walkiria, Sigfrido y El ocaso de los Dioses”, “Tristán e Isolda”, “Los Maestros Cantores de Nuremberg” y “Parsifal”.