Critiques d'art réalisées par la 2de9 du Lycée Jacques Monod (45) en 2022-2023

Critiques d'art

Ecriture poétique initiée par le poète Noah

00h30 Restaurant avec Théa En détente On sort On prend la route Elle sa Ferrari Moi mon Audi Course Vitesse Voiture de police Gyrophare Arrestation Contrôle Menottes 5h35 dans la cellule

Marble

Après tout ce que nous avons dit au sujet de ce "chef-d'œuvre", nous pouvons en conclure que certaines œuvres qui sont devenues des parodies de La Joconde sont nettement plus réussies et plus jolies. Vous trouverez un exemple à droite sur la dernière page de cette critique. A vous de nous confirmer si vous êtes d'accord ou pas avec nous…

La Joconde de notre bien-aimé Marcel Duchamp, peinte en 1919

 	Je vois une immense zone blanche au centre de l'œuvre qui fait penser à un nuage. En haut, à gauche de l'œuvre, apparaissent des nuances de bleu et de noir. En haut à droite, un bleu marine très sombre est employé avec la présence d'un vert foncé. En bas, à gauche, dans le coin, sont peints du blanc et du bleu qui laissent penser à un ciel puis, à côté, un amas de noir s'ajoute un peu à l'immense zone blanche. L'ensemble des angles de l'œuvre est de couleur froide avec beaucoup de bleu foncé, de vert sapin et de noir, puis au milieu de l'œuvre, un amas de blanc touche les extrémités de la toile. Ce blanc n'est pas seulement blanc. J’ai l’impression qu’avant, la toile était bleue et que par-dessus, le peintre y a mis du blanc. Il y a des contrastes entre la couleur blanche et les nombreuses couleurs foncées.  

     Le sujet de l'œuvre est abstrait, ce qui nous mène à voir aussi bien un ciel qu'une montagne ou un reflet d'eau.  

Zao Wou-Ki est &nbsp;né le&nbsp;1er&nbsp;février&nbsp;1920 , il est mort le 9 avril 2013 (à 93 ans) . Il était un artiste peintre et graveur franco-chinois .

Que représente cette œuvre ?

Au premier plan, nous voyons trois enfants et leur mère. La mère apporte de la protection aux enfants tandis que le père, à l'arrière-plan, appelle à l'aide. Le centre de l'attention se situe sur les trois enfants et leur mère. Nous pouvons apercevoir cet aspect pyramidal des parents, en haut, qui protègent leurs enfants, en bas. 

Le spectateur est situé à la même hauteur que la scène pour pouvoir la vivre. Nous retrouvons des couleurs chaudes à travers les flammes, ces couleurs nous évoquent le danger de la scène. Nous retrouvons aussi des couleurs sombres et sobres sur les vêtements des personnages. Le feu nous est représenté dans un rouge vif pour appuyer sur sa dangerosité. Nous voyons la fumée noire qui se propage petit à petit dans la pièce en passant par l'entrebâillement de la porte. Nous voyons donc le mal se propager, qui va finir par les étouffer. Les objets renversés provoquent un sentiment de panique. Les deux enfants à gauche sont habillés de blanc alors que la fillette plus proche du feu a une robe marron. Ce contraste nous montre que le mal a déjà englouti la fille et risque de faire de même aux deux autres enfants dans les minutes à venir.

Lorsque je rentre dans ce tableau, Je ressens de la peur à cause de l'odeur de la fumée. Je commence à paniquer en entendant les cris et le tocsin. J'ai très chaud, je ne me sens pas très bien. Il fait sombre, je ne vois pas grand chose à cause de la fumée qui commence à se propager dans la pièce. La poignée de la porte est brûlante. Les vêtements des enfants sont sales, il y a plein de cendres qui tombent lorsque je les touche. Je me sens oppressée, la pièce est petite et il y a beaucoup d'affaires renversées. Je ne sais pas ce que je dois faire : me sauver ou sauver la famille. Je réfléchis à une façon de m'évader ou de stopper le feu.

Red geometrical pattern

Nous pouvons constater plusieurs lignes de force, deux horizontales, un nombre important de lignes verticales et une diagonale. L’une des deux lignes horizontales se trouve au milieu du tableau pour délimiter l'herbe broutée par les moutons et la forêt sombre du troisième plan. L’autre ligne horizontale se situe en haut des arbres et du ciel. Les lignes verticales se placent dans les différents arbres au premier plan. L'unique diagonale est auprès du personnage principal de ce tableau, se dirigeant vers le haut de cette œuvre.

Ce tableau est organisé en trois plans. Au premier plan, nous pouvons voir Jeanne d'Arc pensive, appuyée sur un arbre. Au second plan, nous identifions des moutons broutant de l'herbe dans une forêt mais nous pouvons aussi apercevoir des âmes, des fantômes derrière Jeanne d'Arc. Pour finir, au troisième plan, nous distinguons une forêt à l'aube avec le soleil levant.

Les principales couleurs de ce tableau sont des couleurs froides. Elles nous mettent dans l'ambiance froide que l'aube nous fait ressentir. La couleur rouge de la cape que porte Jeanne d'Arc la met en valeur et nous fait comprendre que la scène est tournée vers la jeune femme.  

Antique paper texture

Description

La Vénus de Milo est une sculpture créée entre 150 et 130 avant J-C. Elle est en marbre et mesure 2 mètres 2. Elle est située au Louvre à Paris, l'artiste est inconnu.

Cette statue représente la déesse Vénus (Aphrodite chez les Grecs). Cependant, elle est dépourvue de ses bras, ainsi que de son pied gauche et d'un bout du socle. La statue a le torse dénudé et les jambes drapées. Elle est coiffée d'un chignon et portait à l'origine un diadème ainsi que des boucles d'oreilles en métal, les trous de fixation sont visibles. Le chignon est une distinction des statues grecques d'Eros, le fils d'Aphrodite, ce qui pourrait expliquer cette coiffure. La partie inférieure de son torse est drapée d'un manteau qui servait à sortir du bain, elle est installée de façon à faire tenir la draperie seule, c'est un signe caractéristique des sculptures de Vénus.

"Le temps paraît maussade car le ciel est noir puis le soleil se cache."

"J'en ai assez de l'essuyer. Elle est prétentieuse et cherche toujours à se montrer."

"J'attends désespérément ma maîtresse pour manger sauf que cette paresseuse n'est toujours pas habillée ! Elle met beaucoup, beaucoup, beaucoup trop de temps à se vêtir. J'ai l'impression qu'elle ne pense qu'à elle et pas aux autres. "

Cette œuvre manque de beauté mais ne manque pas de succès ! Il s'agit juste d'une femme qui nous regarde, pas attirante, ni intéressante, juste d'une femme banale. Et que dire de ce fond qui ressemble au papier-peint de mes toilettes ? A vrai dire, ni le fond ni la femme ne sont réussis ! Regardez ! Elle n'a même pas de sourcils ! Plus sérieusement, elle a moins de poils qu'un chat sphynx ! Elle est tellement pâle et tellement belle que c'est sûrement la raison pour laquelle on a inventé le maquillage ! Ses sourcils ou plutôt l’absence de sourcils nous prouve que cette fresque est pour nous inachevée ! Et ses yeux ! De Vinci était en colère quand il a réalisé cette œuvre !

La scène représente une tempête dans la baie de Tokyo, au large de Kanagawa, dans laquelle sont piégées deux barges de pêcheurs. On voit au fond, derrière l’horizon, le mont Fuji, dont le sommet est perceptible à des centaines de kilomètres de distance. Le bleu et le blanc sont clairement dissociés, les formes marquées d’un cerne noir sont une caractéristique du style d’Hokusai.

on peut également voir au premier plan une vague, derrière celle-ci on aperçoit une barque de pêcheur. La mer semble déchaînée.

Ecriture poétique initiée par le poète Noah et qui pourrait s'intituler :

Comment se fait-il que cette chose attire à ce point le public L'enfer de cet univers me sidère Et cette Lucifer au devant de cette misère n'en a que faire de nous les autres tableaux Son sourire et son regard maléfique qui hypnotisent les passants et l'on passe tous inaperçus, étant à côté d'elle Et ce fond désastreux rempli de ruines et d'un paysage brûlé par les flammes de l'enfer

Lorsque la nuit tombe, Elle rentre dans notre monde Ses terrifiantes incantations Réveillent ses ombres Pour maudire les tombes Ses griffes sanglantes ont déchiré des âmes Celles des enfants des hommes et des femmes Enfants encore vivants restez dans vos demeures Vous risqueriez d'avoir extrêmement peur Ceci est une mention à De Vinci Qui en enfer a créé cette œuvre Heureusement que je crois au Christ J'éviterai donc la colère de la terreur Warren de la Fontaine

Misc texture 2

Lycée Jacques Monod année scolaire 2022-2023 Emérite classe de 2nde9

3- Présentation de l'oeuvre

Cette œuvre se nomme Après le bain. Elle a été peinte par Alexandre Antigna en 1849. C'est une huile sur toile. Elle mesure 112x121 cm. Dès qu'elle a été peinte, elle a été exposée au Salon de 1849 puis le directeur du musée des Beaux-Arts d'Orléans l'a remarquée. Elle a donc été envoyée dans ce Musée et y est restée.

Musée des Beaux Arts d'Orléans

Critique d'art de 3.12.74

Julie Brunet

Nom de l'artiste : Zao Wou-Ki Date de création : 1974 Technique utilisée : huile sur toile Taille de l'œuvre : 250 x 260 cm Style de l'œuvre : art contemporain Lieu de conservation : Musée des Beaux-arts, Orléans

-	Présentation de l'artiste -	Présentation de l'œuvre -	Description -	Analyse -	Interprétation

"On me dit que je protège trop mon cœur, mais j'ai eu trop bon cœur, je suis blessé en profondeur, mes sourires sont trompeurs" Josman

on me dit que je protège trop mon cœur, mais j'ai eu trop bon cœur j'suis blessé en profondeur, les sourires sont trompeurs

Il se nomme Frédéric Brandon, il est né le 19 janvier 1943 à Paris. C'est un peintre français. Frédéric Brandon a été formé à l'école des Beaux-Arts d'Orléans

Jeanne d'Arc entendant des voix

Hannah Kouvouama et Thalia Jacquet

La Vénus de Milo

Artiste inconnu, Vénus de Milo, 150-130 avant J-C

En arrière-plan, nous avons plusieurs groupes de personnes avec un regard porté sur cet individu seul, debout au centre du tableau. Il a une couleur de peau plus sombre que celle des autres.

La principale ligne de force est horizontale. Elle contraste avec la verticale créée par cette personne immobile enveloppée d'une serviette.

Au premier plan, nous voyons cet être seul. Il est au centre des regards mais son regard, il le réserve au spectateur. Que veut-il nous dire ? Souffre-t-il d'exclusion ? Est-il nostalgique ?

"5h35 un jour de plus" est une œuvre réalisée en 1979 par l'artiste français Bernard Rancillac. Il s'agit d'une peinture acrylique sur toile qui mesure 130 cm de hauteur sur 194 cm de largeur. L'œuvre est conservée au Musée des Beaux-Arts d'Orléans, en France, où elle est exposée dans la section d'art contemporain. L'œuvre est caractéristique du style de Rancillac, qui a été l'un des membres fondateurs du mouvement de la Figuration Narrative dans les années 1960. Ce mouvement se caractérise par l'utilisation de techniques figuratives et narratives pour critiquer la société de consommation et les systèmes politiques en place.

hypothèses sur les voitures utilisées comme modèle pour le tableau :

Zao Wou-Ki&nbsp; est né le&nbsp;1er&nbsp;février&nbsp;1920&nbsp;à&nbsp;Pékin, et est mort le&nbsp;9&nbsp;avril&nbsp;2013&nbsp;(à 93&nbsp;ans)&nbsp;à&nbsp;Lyon. C'est un&nbsp;peintre&nbsp;et&nbsp; graveur&nbsp;chinois&nbsp;naturalisé&nbsp;français&nbsp; en&nbsp;1964. Il est rattaché, dans les&nbsp;années 1950, à la nouvelle&nbsp;École de Paris (un mélange d'impressionnisme et d'influence de l'art abstrait américain).

Cette œuvre me plaît beaucoup grâce à son mystère. Je trouve que c'est une œuvre d'art intéressante car elle fait réfléchir. L'auteur n'a jamais donné une explication sur son but mais, selon moi, elle  confère des émotions positives de calme infini. Le thème de la nature est récurrent chez Zao Wou-ki, nous pouvons le voir dans l’un de ses tableaux présent ci-dessous.

Hommage à Claude Monet , février-juin 1991,triptyque, huile sur toile (194 x 483 cm), collection particulière

Louane Emin Ange-Christa Igiraneza

Après le bain Alexandre Antigna

A travers l'œuvre, on peut entendre le souffle du vent et les cris étouffés de la mère. Les crissements acérés des corbeaux en cercle représentent l'angoisse que le tableau procure. Les pas des volatiles dans la neige avancent vers leurs proies. Nous pouvons sentir une odeur nauséabonde qui se dégage du cadavre de l'agneau décédé. L'air paraît irrespirable et crée une ambiance malsaine et pesante.

La lumière se concentre sur les victimes des corbeaux en montrant leur innocence comme un appel au paradis de Dieu pour récupérer l'âme du petit. Un froid glacial émane du tableau mais cette froideur se dissipe pour laisser place à la chaleur de la brebis qui couvre une dernière fois son défunt fils.

Nous pouvons sentir la laine sale et boueuse de la brebis entre nos doigts. Nous pouvons aussi sentir la respiration saccadée et en détresse de la brebis. 

Représentation schématique de la lumière sur les bêtes

L'hiver est présent dans le manteau de neige qui tapisse le sol glacial. Si ce tableau devait s'incarner en musique, il serait sans aucun doute un classique de Vivaldi, l'hiver des Quatre saisons.

Cette œuvre n'est pas comme les autres. Les couleurs sont vives, presque criardes et pourtant le sujet est triste : il s'agit d'un individu de peau noire qui semble rejeté par une société raciste. Ce contraste laisse le spectateur dans l'incertitude : est-ce une oeuvre qui dénonce ? Dans la salle du Musée des Beaux-Arts dans laquelle elle est exposée, elle est une des seules à être figurative. Quoi qu'il en soit, c'est un tableau qui interpelle.

BIBLIOGRAPHIE (non exhaustive) ANTOINE-ANDERSEN Véronique, Regarder une œuvre d'art et aimer ça, Eyrolles, 2019 AUGUSTIN Marion, L'Histoire de l'Art en BD, Casterman, 2018 CLAQUIN Frédéric, Arttitude, Eyrolles, 2015 DUPAVILLON Christian, Le Triomphe des arcs, Gallimard, 1989 FARTHING Stephen, Tout sur l'Art, Flammarion, 2010 GENTIL Mélanie, Art Urbain, Editions Palette, 2014 MARTIN Nicolas, L'Art face à l'Histoire, Editions Palette, 2012 SCHLESSER Thomas, L'Art face à la censure, Beaux-Arts éditions, 2011 SEMMER Laure-Caroline, Les Mouvements dans l'art, Editions Scala, 2010 WEBER Patrick, Les Merveilles du Monde, Editions Palette, 2019

La Joconde de Léonard de Vinci est une œuvre iconique et universelle, mais mérite-t-elle son succès ?

Beaucoup de mystère plane autour de cette œuvre.

Elle a été peinte par Léonard de Vinci (14/04/1452 à 02/05/1519), un peintre italien faisant partie du mouvement de la haute Renaissance. On ne sait pas exactement quand elle fut peinte mais des dates sont avancées telles que 1503 à 1506 ou 1513 à 1516 à Florence. C'est une huile sur bois qui mesure 77*53cm. Elle se situe actuellement au Musée du Louvre à Paris. La femme qui figure sur cette œuvre a réellement existé, elle se nommait Lisa del Giocondo, plus communément appelée Mona Lisa. C'était l'épouse de Franscesco del Giocondo. Mais sinon, qui est cette illustre inconnue ?

            Ce portrait de Mona Lisa a été réalisé par Léonard de Vinci suite à la demande de son mari Franscesco del Giocondo pour l'installer dans leur maison mais, finalement, le portrait ne leur a jamais été rendu.

2. Qu'est-elle devenue ?

François Ier a récupéré l'œuvre et l'a installée au Château de Fontainebleau. En 1646, le tableau est présent dans le cabinet doré de la chambre d'Anne d'Autriche&nbsp;à&nbsp;Fontainebleau&nbsp;avant que&nbsp;Louis XIV&nbsp;ne décide de le ramener à Paris. En 1665-1666, il passe du&nbsp;Palais du Louvre&nbsp;à la&nbsp;galerie des Ambassadeurs&nbsp;du&nbsp;Palais des Tuileries. Louis XIV transfère le tableau dans la&nbsp;galerie du roi&nbsp;au&nbsp;château de Versailles&nbsp;dans les années 1690-1695. Ce voyage en France l'a rendue célèbre dans le monde entier.

Le pont est recouvert de plusieurs couches de tissu fin et entouré de cordes. En l‘emballant, Christo a non seulement laissé la possibilité aux automobilistes, aux cyclistes et aux piétons de circuler sur le pont mais aussi aux Bateaux-Mouches de circuler sous le pont. Malgré la complexité de la chose, le fonctionnement du pont n'a pas été diminué et les artistes ont choisi de tout emballer dans les moindres détails (jusqu'aux lampadaires). L'œuvre se reflète sur la Seine, ce qui donne un effet de grandeur à l'œuvre alors que le pont est déjà très grand. La Seine est donc de couleur dorée ou blanche selon les reflets. En regardant cette œuvre, on arrive à imaginer la douceur du tissu mais aussi la fermeté du pont.

La tableau "Angoisse" porte bien son nom, les couleurs sont grises et elles inspirent la peur tout autant que l'angoisse. Les deux mammifères au centre du tableau nous sont montrés comme impuissants et à l'affût des corbeaux qui les entourent. Nous avons même l'impression que c'est nous qui sommes entourés par ces oiseaux hostiles. La mère, qui semble protéger son petit, nous rend sensibles à la relation mère-enfant des humains. Cela nous pousse à avoir de la peine pour l'agneau et sa mère, il s'agit donc d'une tonalité pathétique.

Plan sur la brebis et son petit

La représentation de cette scène obscure nous procure de la peur, de l'angoisse et peut même nous faire ressentir le froid qui se dégage du tableau. Plus on regarde cette œuvre, plus les détails ressortent comme une évidence qu'on ne peut pas manquer.

Ce tableau à été peint par August Friedrich Schenck (artiste allemand) vers 1878 et a été exposé au salon de 1878.

August Friedrich Schenck

Musée du Victoria de Melbourne, Australie

Le tableau est en format paysage. La technique utilisée est l'huile sur toile. La brebis et l'agneau captent la lumière du tableau en laissant les corbeaux dans l'obscurité. Au centre du tableau, on aperçoit un mouton et un agneau entourés de corbeaux qui ont le regard rivés sur eux. Le sol est recouvert de neige, un ciel sombre et nuageux surplombe la scène.

Aujourd'hui, il est conservé au Musée national du Victoria de Melbourne, en Australie. Angoisse est une huile sur toile de dimensions 151&nbsp;×&nbsp;251,2 cm.

Tableau "Angoisse", ~1878

Selon nous, cette statue, la Vénus d'Arles, mérite davantage son succès que celle de Milo : elle est taillée dans le marbre, fait la même taille et surtout, elle a encore ses bras ! Ainsi, cette statue est complète et nous pouvons admirer la beauté de cette dernière en parfait état. Elle ressemble donc en beaucoup de points à la Vénus de Milo mais est très peu connue.

Vénus d'Arles, Musée du Louvre, Paris

Nous avons choisi cette œuvre car nous avons aimé les autres œuvres de Christophe et Jeanne-Claude dans un même style. Nous avons trouvé l’emballage de pont Neuf très inspirante et très impressionnante. Cette œuvre a transformé le pont le plus ancien de Paris en une œuvre d'art monumentale et éblouissante. C'est une installation artistique remarquable et audacieuse qui a marqué les esprits et laissé une empreinte durable dans l'histoire de l'art contemporain.

4- Description de l'oeuvre

L'œuvre qui se nomme "Après le bain" est présentée en format paysage. A l'arrière plan, nous apercevons sur la gauche un paysage composé d'un ciel bleu et orange et d'arbres. Nous observons aussi sur la gauche deux femmes qui échangent un regard : l'une accroupie avec un chemisier blanc et l'autre assise vêtue d'un chemisier blanc et d'une couverture jaune. A droite du tableau, nous voyons une forêt obscure, ainsi qu'un drap rouge et blanc. Au premier plan, au milieu, nous apercevons une femme à genou qui porte un chemisier blanc et une couverture rose en train d'essuyer la jeune femme de dos nue qui s'essuie aussi. Nous voyons à droite, une femme nue allongée sur une couverture jaune avec des tâches noires. Nous observons un chien blanc qui tire la couverture où la femme est allongée.

Après le bain d'Alexandre Antigna, 1849

L’arrière-plan est sombre tandis que le premier plan est éclairé. Les arbres à gauche et la forêt à droite sont mis dans l'ombre. Le tableau comporte des couleurs chaudes.

La plage numéro 3, solitude Frédéric BRANDON Paris, 2005 Acrylique sur toile 200x200cm Exposée au Musée des Beaux-arts d'Orléans

Alexandre Antigna

Sommaire

1- La présentation de l'artiste. 2- La présentation de deux œuvres que l'artiste a réalisées. 3- La présentation de l'œuvre. 4- La description de l'œuvre. 5- L'interprétation de l'œuvre.

Différentes hypothèses sur ses bras

De nombreuses hypothèses ont vu le jour suite à la découverte de cette sculpture. Une partie de bras gauche, un avant-bras et une main tenant une pomme ayant été retrouvés en même temps que la statue, on se demande encore si ces membres appartiennent à Vénus.

Dali, Vénus de Milo comportant des tiroirs, 1936

Autres hypothèses : 1) Nous sommes dans une prison et le gardien, fou de formule 1, rêve qu'il est le pilote d'une course qu'il va remporter... 2) Au volant, il conduit vite, très vite, il pense à son père. La dernière fois qu'il l'a vu, c'était sur son lieu de travail, à l'hôpital. Il faisait son éternelle ronde de nuit. Mais il est mort... alors il pleure et il appuie trop fort sur la pédale.

Paisible

J'entends le bruit des oiseaux et un écoulement d'eau. Je vois plusieurs paysages : selon moi, il y a comme une montagne enneigée ou une photo de satellite avec un nuage, la mer et des continents. Voici ce que je ressens en voyant ce tableau : le calme d'un paysage naturel ; on se sent léger, fluide et apaisé.

chant oiseau

écoulement d'eau

Ecriture poétique sur 3.12.74 initiée par le poète Noah

3 comme il broie les angoisses 1 l'inverse du mois de juin 2 glacial qui est râpeux sur la peau 7 l'abstrait ses différentes facettes 4 les sapins d'un teint verdâtre

La grande vague de Kanagawa est une gravure sur bois réalisée par Hokusai en 1830-1831 pendant l'époque d'Edo. Cette gravure fait partie des Trente-six vues du mont Fuji, série de quarante-six planches publiée en 1831–1833. Elle mesure 25,9 centimètres sur 37,9 centimètres. Elle est exposée au Metropolitan Museum of Art de New York.

Hokusai est né le 31 octobre 1760 à Edo (Tokyo), au Japon, et est mort le 10 mai 1849 dans la même ville. Il est graveur et peintre japonais. Il a influencé de grands artistes comme Van Gogh, Monet ou Degas.

Metropolitan Museum of Art de New York

Cette œuvre montre encore la volonté de l'artiste de peindre la nature de manière à procurer des émotions. Il ne faut pas comprendre avec notre cerveau cette œuvre, mais avec notre cœur.

Mon chien, mon aide mon ami tu me protèges. On s'aime simplement

Cette œuvre est un diptyque . Le tableau inférieur représente une voiture sur un circuit. Le tableau supérieur représente une scène dans un hôpital.

Problématique : quels sont les liens dans ce diptyque ?

Les deux tableaux ont des liens car on peut penser que c'est la suite logique . On peut penser que la personne dans l'hôpital est en fait le conducteur du véhicule. 

Dans le tableau représentant le couloir d'un hôpital, les couleurs sont fades, tandis que dans le tableau qui représente la voiture, les couleurs sont vives. Cela crée un réel effet de contraste.

Voici les liens que le spectateur peut établir : - le personnage qui erre dans le long couloir peut être le conducteur. - le couloir peut être celui d'un hôpital : l'individu qui était au volant a conduit si vite qu'il a eu un accident, il s'est retrouvé dans une des chambres de cet hôpital.

Les différences sont les suivantes : - nous voyons un humain d'une part, un véhicule d'autre part. - Une des parties est plus grande que l'autre.

Pourquoi tant de succès ?

Le succès de la Vénus de Milo est dû au mystère entourant la cause de ses bras manquants et à la technique de fabrication de cette dernière. Effectivement, on ne connaît rien de cette sculpture si ce n'est son thème. Elle représente Vénus, cependant on ne sait pas dans quelle situation ou lieu elle se trouve. On ne sait pas non plus à quelle occasion elle a vu le jour. Cette dernière n'étant pas complète, et les parties manquantes n'ayant pas été retrouvées, de nombreuses théories sur la forme et la pose de ses bras sont apparues, ce qui a fait en partie naître son succès.

Son succès tient aussi à la technique employée lors de la sculpture : en effet, deux techniques ont été utilisées, une pour le torse et le visage et l'autre pour les jambes. Un style assez classique sans rupture ou effet d'ombre contre un style très détaillé au niveau de la draperie, ce qui signifie qu'il y a peut-être eu une rénovation de la statue...

Ce tableau représente bien l'impuissance humaine face à la nature avec cette gigantesque vague qui semble engloutir ces pêcheurs. Cette technique se nomme l’ukiyo-e ou «&nbsp;image du monde flottant&nbsp;» : elle reprend la tradition japonaise du bouddhisme, dans lequel est transmis le pessimisme du monde, où l’homme est fragile face à la nature. Le Mont Fuji est également très symbolique pour les Japonais : il représente un lieu de retraite bouddhiste et de&nbsp;pèlerinage&nbsp;shintoïste.

Dans cette œuvre, on peut s'imaginer la vague comme un monstre géant qui voudrait engloutir les pêcheurs. On peut aussi apercevoir dans le ciel une forme qui pourrait représenter une force divine et cette force divine pourrait peut-être contrôler la mer et vouloir empêcher les hommes de faire leur métier.

Paper texture

III. Interprétation de l'œuvre

La jeune femme représentée sur le tableau n'est autre que Jeanne d'Arc, aussi communément appelée "La Pucelle d'Orléans". Cette jeune paysanne prétendait entendre des voix qui lui soufflaient de délivrer Orléans alors que la ville était possédée par les Anglais.

L'histoire veut que ce soient Saint Michel, Sainte Marguerite et Sainte Catherine qui lui aient soufflé les idées de liberté et de combat pour sa ville : les spectres représentés sur le tableau de Lagarde sont en réalité ces saints murmurant à l'oreille de Jeanne de délivrer Orléans.

Le fait que les Saints aient l'air de tous partir dans la même direction donne l'impression qu'ils montrent le chemin à Jeanne d'Arc et le fait que l'un d'eux tienne une épée donne l'impression que Jeanne n'a pas le choix que de suivre sa destinée.

Jeanne, guide le peuple d'Orléans afin de vaincre les anglais !

"Ils seront tous boutés hors de France, exceptés ceux qui y périront" *

Jeanne partant combattre les anglais

Alexandre Antigna, L'incendie,1850-1851, huile sur toile, (262 x 282 cm), Musée des Beaux-Arts, Orléans.

C'est une œuvre d'Alexandre Antigna. Elle s'intitule L'incendie car cette dernière représente un incendie qui a lieu dans un appartement. Elle a été créée entre 1850 et 1851. Elle a été réalisée sur une toile avec de la peinture à l'huile. Elle mesure 262 cm sur 282 cm. Le tableau est exposé au Musée des Beaux-Arts à Orléans. Nous l'avons découvert lors de notre sortie avec la professeure de français.

Artistes de la démesure, ils ont empaqueté l’Arc de Triomphe à Paris, le Reichstag à Berlin, des kilomètres carrés d’îles et de falaises rocheuses. Le couple formé par Christo (1935–2020) et Jeanne-Claude (1935–2009) a signé, depuis leur rencontre en 1958, l’une des œuvres les plus originales de l’art in situ. Les deux artistes ont toujours financé eux-mêmes leurs projets monumentaux, et paradoxalement éphémères, en vendant les dessins préparatoires réalisés par Christo.

Photographie des artistes

La classe de 2nde9 et Madame Jacquey Garcia, son professeur de français, tiennent à remercier : - Les documentalistes du Lycée Jacques Monod, Cécile Durrheimer et Jeanne Descoubet pour avoir accepté de se lancer dans cette aventure. - La Médiathèque de Saint-Jean de Braye et plus particulièrement Isabelle Gerbaix, Christelle Perrin et Dorota Moureau pour avoir ouvert les portes d'un lieu de culture et pour la séance cinéma. - Le Musée des Beaux-Arts d'Orléans et plus spécifiquement Isabelle Rouleau pour ses talents de conférencière. - La responsable de la Maison d'Artagon, Fanny Van Opstal, qui a permis aux élèves d'envisager l'art sous un autre angle. - Le poète Noah pour sa séance d'écriture libératrice.

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       "Quel est ce liquide qui coule sur ma couverture ? Il est rouge, l'agneau va-t-il bien ? Et quel est ce bruit qui me scie l'oreille ? Sa mère a l'air si malheureuse ! En tout cas, ses doux sabot me massent le dos mais d'autres pattes viennent me piquer le corps ! Ce sont des corbeaux ! Je hais ces animaux ! Leurs pattes sont comme des aiguilles et leurs plumes tombant dans mes cheveux sont aussi dures que le fer ! Et que le vent est glacial ! Bien que ce soit grâce à lui si je vis… Mais c'est aussi à cause de lui que j'assiste à cette scène aussi triste que le temps. Je voudrais tellement aider ce bel agneau, mais comment ferais-je...? Je ne suis que de glace après tout. La tristesse qui recouvre toute l'atmosphère de cet endroit me fait fondre ! " 

Sol enneigé

Nous tenons à exprimer notre profonde gratitude pour le projet Numook organisé par notre professeure de français, Madame Garcia. Ce projet nous a permis d'acquérir de nouvelles compétences en créant un livre numérique et de développer notre créativité. Le dévouement et l'engagement de Madame Garcia envers notre apprentissage ont été une source d'inspiration pour nous tous. Nous avons apprécié chaque étape de ce projet passionnant et sommes fiers du résultat final.

Quels sont les liens dans ce diptyque ?

5h35 un jour de plus, Bernard Rancillac, 1979, acrylique sur toile, conservée au Musée des Beaux-Arts d'Orléans.

Jeanne d'Arc entendant des voix

Jade Avezard Léonore Lugien Sarah Peloille

Ce tableau, à première vue, nous a impressionnées par sa taille, ses détails si réalistes et son atmosphère particulière, qui se démarque des autres représentations de Jeanne d'Arc. Il nous a transmis des sensations nouvelles que nous avons voulu faire partager.

Merci à Madame Garcia et à toutes les personnes qui nous ont accompagnées dans ce projet (les documentalistes, Fanny, le poète Noah...), pour nous avoir permis de découvrir cette œuvre et pour avoir favorisé notre imagination et notre esprit critique envers un tableau.

Bouzidi Mina Hanoun Najwa Özen Özcan

5 minutes pour découvrir 5h35 un jour de plus de Bernard Rancillac .

Bernard Rancillac est un artiste-peintre et sculpteur français. Il est né 29 août 1931 à Paris et il est mort le 29 novembre 2021 à Malakoff. En 1979, il peint l'œuvre "5h35 un jour de plus". C'est une huile sur toile de 204 x 283 cm , cette œuvre montre une forme d'équilibre car les traits sont précis et droits. Elle est composée de deux tableaux presque superposés avec un sorte de lien entre les deux. En bas de cette œuvre est représentée une voiture et en haut, un homme, dans un couloir. C'est un tableau assez particulier car nous pouvons en faire notre propre interprétation, le voir de différentes manières d'une personne à une autre. Bernard Rancillac se sert de l'acrylique et joue beaucoup sur les couleurs. Il utilise des couleurs comme le jaune, le rouge, le vert, le bleu, le blanc, le noir, le rose et le violet. Les lignes sont parfois épaisses, parfois fines et droites. La peinture montre des oppositions avec les couleurs chaudes utilisées pour la voiture et des couleurs plus froides pour l'homme dans le couloir. C'est pour nous faire ressentir une émotion car, en peignant la voiture roulant très vite, on imagine un accident ou un événement dramatique.

Comme nous l'avons dit auparavant, cette œuvre a plusieurs significations : tout dépend de la façon dont les personnes l'interprètent en la voyant. Najwa pense que cette œuvre fait allusion à la vie et à la fuite du temps. La voiture qui roule à haute vitesse lui fait penser à la vie extérieure et le gardien, en haut, à la prison. Pour elle, le peintre a voulu nous montrer à travers cette œuvre que le temps passe beaucoup moins vite en prison, qu’il est comme figé. Pour Özcan, le personnage masculin est dans une morgue et il pense qu'à travers cette œuvre, Rancillac nous fait comprendre que la vie passe très vite, ce qui explique que le véhicule roule vite, et qu'on mourra tous un jour. Le côté sombre représente la mort et le côté coloré, la vie. Mina, quant à elle, ne parvient pas à choisir entre ces deux interprétations.

Il est cinq heures du matin quand Jeanne se réveille pour sortir les moutons dans le champ. Le soleil se lève doucement, elle se promène aux alentours du village et profite de la tranquillité de l'aube. Quand, tout à coup, le sol se met à trembler autour de la jeune bergère, sa vue se trouble... Au village, on commence à s'inquiéter du départ de Jeanne, en effet, cela fait déjà plus d'une heure qu'elle a disparu. Tout le monde s'agite et certains partent même à sa recherche. 	 Je sors d'un corps inconnu, je ne sais qui je suis ni où je suis. Suis-je un ange ou un démon ? J'observe tout ce qu'il y a autour de moi. Lorsque soudainement, je comprends la raison de ma présence ici. Je dois la guider : " Je te donne une mission, Demain tu te lèveras avec la foi de sauver la France. Demain, tu te saisiras d'une épée et d'un glaive, Demain, tu te vêtiras d'une armure, Et tu partiras en direction de l'ennemi." Sa mère la retrouve finalement : Jeanne d'Arc semble déboussolée et perdue, toujours tête en l'air au point de se perdre. Les deux femmes ramènent alors le troupeau.

Description :

Le second plan de ce "chef d'oeuvre" est composé d'un paysage montagneux, profond et flou. Les couleurs présentes sont le orange et le bleu, cela nous paraît relativement simple de la part d'un peintre tel que Vinci.

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Au premier plan, est présent au centre de la composition le buste de Mona Lisa. Elle est assise sur un fauteuil sans dossier, positionnée de trois quarts et pointant son regard vers le spectateur. La jeune femme nous offre un visage ovale sans sourcils, au nez fin et au sourire plein de mystère. Un voile blanc est présent sur son épaule gauche en contraste avec sa tenue qui est noire. Un voile très fin lui couvre les cheveux.

Image de La Joconde, peinte par Léonard de Vinci

II-description du tableau

Ce tableau se compose de plusieurs lignes de force : il est arrangé selon deux lignes horizontales (indiquées en jaune) , trois lignes verticales (en bleu) et enfin une ligne diagonale (représentée en rouge).

photo du tableau Jeanne d'Arc entendant des voix

Le tableau est composé de couleurs plutôt froides et sombres : bleu , vert , marron... Il y a également du rouge qui, étant une couleur plus voyante, permet de mettre en valeur le personnage

Au premier plan nous apercevons une jeune femme dans une forêt, appuyée contre un arbre et regardant vers le ciel. Nous voyons des spectres de couleurs claires qui ont l'air de sortir de son corps, un des spectres a l'air de tenir un objet. Il semble que les esprits possèdent une auréole. Au second plan, nous pouvons voir des moutons placés légèrement derrière la jeune femme. A l’arrière-plan, se trouve une forêt qui se termine en une colline. Tout à gauche, nous apercevons le début d'un village.

Quant à la lumière, elle se concentre vers le centre du tableau (vers la jeune femme). Cette clarté semble émaner des spectres au-dessus de cette dernière. L'artiste a volontairement éclairé cette partie du tableau car c'est dans cette dernière que se concentrent les éléments principaux qui le composent : les "fantômes" et la jeune fille. Le reste est laissé dans l'ombre pour que le spectateur se concentre sur le centre de l'œuvre.

À première vue, l'œuvre a l'air attirante et comique de par ses couleurs et ses personnages. Cependant, quand on connaît le contexte politique, celui de la Commune de Paris, elle gagne en profondeur.

Louis-Maurice Boutet de Monvel L'apothéose de la canaille, 1885 , 430 x 332 cm , Musée des Beaux-Arts d'Orléans

II - Biographie de Jeanne d'Arc

	Jeanne d'Arc est une jeune femme emblématique de la France. Elle naît en 1912 à Domrémy et décède le 30 mai 1931 à Rouen, sur le bûcher, à seulement 19 ans. "La Pucelle" fait face aux Anglais durant la guerre de Cent ans, après avoir entendu des voix la guidant à la révolte, à l'âge de 13 ans. Elle est alors considérée comme "une sainte de Dieu" et délivre Orléans pour Charles VII. Jeanne d'Arc avait pour mission de délivrer la France : c'est l'une des figures les plus importantes dans l'histoire du pays. Cheffe de guerre et sainte de l'Eglise catholique, surnommée "la Pucelle d'Orléans", elle se fait capturer et vendre aux anglais ; elle est la messagère de Dieu.

Entrée de Jeanne D'Arc à Orléans,1887, Jean-Jacques Scherrer Huile sur toile , 500x374 cm

IV-biographie du peintre

Œuvres principales :

Le peintre de notre œuvre se nomme Pierre Eugène Lagarde, il est né le 2 décembre 1853 à Paris et il y est également décédé le 12 décembre 1910 (à 57 ans).

 En 1875, un ami de Pierre Lagarde, Ferdinand Humbert (1842-1934), l'intègre à un projet : ce dernier consiste à concourir pour savoir qui aurait l'honneur de décorer les murs de la salle des mariages de la mairie du 15ème arrondissement de Paris. Le projet de Lagarde est retenu le 22 Juillet 1884 lorsqu'ils obtiennent le prix d'exécution pour commencer à décorer la salle.

Lagarde a également fait la décoration de la grande salle du restaurant "Le Train Bleu" de la Gare de Lyon à Paris. En 1900, il est devenu membre sociétaire de la Société des artistes Français et a occupé le poste de directeur artistique de la scène de l'Opéra de Paris au début du 20ème siècle. Il a été inhumé au cimetière du Père-Lachaise à Paris.

Il a donc réalisé une série de 4 huiles sur toile marouflées en 1885 pour la salle des mariages citée plus tôt : -Les fiançailles -La veillée -La famille -La charité Ainsi que d'autres œuvres comme : -Apparition aux bergers au Salon des artistes français de 1882 -Jeanne d'Arc au Salon des artistes français de 1891 -La Retraite, anciennement située à Paris au&nbsp;Musée du Luxembourg -Vue de Fontainebleau en 1900, une huile sur toile destinée au restaurant&nbsp;"Le Train bleu"

5- L'interprétation de l'œuvre

Nous avons choisi ce tableau car nous l'avons découvert au Musée des Beaux-Arts d'Orléans. Nous n'avons pas particulièrement été touchées par celui-ci mais c'est une œuvre originale qui a le mérite de représenter des corps féminins en les valorisant. Il s'agit d'une œuvre réalisée par un artiste originaire d'Orléans. 

Merci d'avoir lu notre critique d'art. Nous espérons qu'elle vous a plu.

Rendez-vous au Musée des Beaux-Arts d'Orléans : vous y découvrirez la figure que la ville met à l'honneur depuis des siècles avec le tableau de Lagarde, Jeanne d'Arc entendant des voix choisi par celles qui ont écouté leurs yeux, à savoir Jade, Léonore et Sarah ainsi que Thalia et Hannah. Dans la salle du sous-sol dédiée aux artistes les plus contemporains, le tableau de Rancillac intitulé 5 heures 35, un jour de plus a séduit pas moins de cinq élèves : Gabriel, Léopold, Ozcan, Mina et Najwa. Ils ont tenté de résoudre l'énigme d'un diptyque pas comme les autres. C'est vers l'art abstrait que nous conduit par la suite notre livre avec un titre des plus énigmatiques, 3.12.74 de Zao Wou-Ki qui nous donne à contempler un paysage polymorphe qu'Andrea et Julie ont décrypté. Non loin de cette œuvre, nous rencontrerons La Plage n°3, solitude de Frédéric Brandon. C'est là qu'Athéna et Audrey ont choisi de passer un peu de temps.

Restons au Musée des Beaux-Arts mais montons dans cette salle rouge dans laquelle les tableaux sont mis en valeur par un éclairage zénithal. Le peintre Antigna y a ses adeptes : son tableau Le Bain a séduit Ange-Christa et Louane tandis que la toile représentant L'incendie a été source d'inspiration pour Louison et Tessa. Enfin, Gaïan et Sofiane ont jeté leur dévolu sur l'immense toile de Boutet de Monvel connue sous le nom de L'Apothéose de la Canaille. Non loin d'Orléans : Paris. En passant par le pont Neuf emballé par Cristo et Jeanne-Claude et commenté par Noa et Théo, nous nous rendrons au Louvre pour y admirer deux figures féminines incontournables : la Vénus de Milo et la Joconde peinte par Léonard de Vinci. Baptiste, Nathan, Warren et Léni s'interrogent sur les raisons d'un tel succès. En route pour l'Australie où Ursula et Louane décrivent avec émotion le tableau poignant Angoisse d'August Friedrich Schenck. Destination finale : New York pour plonger dans la Vague d'Hokusai analysée par Enola et Alexandre.

Cette œuvre est à la fois riche en sentiments forts et synonyme de vide. La détresse de la brebis permet de nous questionner sur le monde : existe-t-il de pareilles douleurs dans le monde ? Cette œuvre est sans aucun doute un chef-d'œuvre, chaque recoin peint de ce tableau est d'une virtuosité que nul ne pourrait reproduire. Merci à August Friedrich de nous avoir fait part de son art, de son tableau plein d'émotions, de cette tristesse qui parcourt le corps de chaque spectateur qui verra ce chef-d'œuvre.

Peintre du tableau, August Friedrich Schenck.

Selon nous, la Vénus de Milo ne mérite pas son succès. Malgré une technique de sculpture très bien réalisée, elle reste une statue très classique d'une déesse ayant été sculptée des milliers de fois. De plus, elle est cassée. De notre point de vue, cela ne la rend pas plus attrayante mais moins plaisante à voir, une œuvre non complète ne peut pas être considérée comme un chef-d'œuvre car il est toujours possible que les parties manquantes ne soient pas aussi harmonieuses que ce que l'on pense.

Nous nous sommes accidentellement détachés de ce corps il y a fort longtemps sans pouvoir nous réunifier. Puis, elle a été découverte sans nous, nous sommes restés à l'abandon. Nous avons essayé tant bien que mal de rejoindre ce corps, mais il était trop loin. Enfouis dans la terre, sûrement pour toujours, nous ne retrouverons pas notre corps.

V. Ressenti et avis personnel

Poème du point de vue de l'arbre du tableau de Lagarde

Nous avons choisi ce tableau car nous avons tout d'abord été impressionnées par la beauté de ce dernier : cette œuvre représente très bien la scène où Jeanne entend pour la première fois des voix qui lui demandent de délivrer Orléans. La palette sombre de couleurs utilisée donne un côté plus "mystique" à ce tableau et le fait que Jeanne soit l'un des rares éléments éclairés de la composition renforce cette impression. Et même si beaucoup de peintres ont décidé de représenter cette scène, Lagarde a su s'approprier le sujet et en faire quelque chose d'original.

La nuit était calme et la forêt endormie Les miens somnolaient encore tandis que l'aube se levait Les doux et délicats chants des oiseaux me berçaient encore Lorsque je fus réveillée par des bruits de cloches J'ouvris les yeux sur un troupeau de moutons broutant et galopant vers la rivière C'est à ce moment-là que je vis une fille en habit de bergère à mes pieds Elle était pâle et elle regardait le ciel avec intensité Ses yeux étaient blancs et elle murmurait des phrases incompréhensibles Soudain elle recula et se colla à moi Puis elle agrippa mes écorces et commença à les arracher En poussant des cris de terreur Elle donna des coups dans mon tronc M'arracha des branches et des feuilles avec rage et violence comme si elle était possédée Avant de tomber à terre et de repartir avec son troupeau sans même s'excuser

LA JOCONDE Un succès mérité ?

"La Joconde" de Léonard de Vinci, de 1503 à 1506 ou 1513 à 1516, 77cm de haut et 53cm de large, conservée au Musée du Louvre à Paris

I - Présentation du tableau II - Biographie de Jeanne d'Arc III - Description du tableau IV - Pourquoi ce tableau ?

Le projet du Pont-Neuf, long de 140 mètres et large de 20,5 mètres, remonte au milieu des années 70. Il a nécessité 40 000 m2 de toile -qui change d'aspect selon le niveau du soleil dans le ciel- 12 tonnes de câbles d'acier, l'intervention de 300 professionnels spécialisés dirigés par 12 ingénieurs. L'œuvre est présentée aux regards des spectateurs le 22 septembre 1985 pendant quatorze jours. L'artiste veut offrir un regard neuf sur le plus ancien pont de Paris. Sur ces images nous pouvons voir les plans faits par les artistes au début du projet.

Le&nbsp;pont Neuf&nbsp;ou&nbsp;Pont-Neuf&nbsp;est actuellement, malgré son nom, le&nbsp;pont&nbsp;le plus ancien existant à&nbsp;Paris. Il doit cette appellation à la nouveauté que constituait à l'époque un pont dénué d'habitations. Il est aussi le tout premier pont de pierres de Paris à traverser entièrement la Seine. Ce monument fait l’objet d’un classement au titre des&nbsp;monuments historiques&nbsp;depuis&nbsp;1889. En 1991, il a été inscrit au&nbsp;patrimoine mondial&nbsp;de l'Unesco, avec l'ensemble des quais de la&nbsp;Seine&nbsp;à Paris. Dans les années 70, les artistes Christo et Jeanne-Claude ont décidé d’emballer ce pont.

I - Présentation du tableau

Ce tableau, réalisé par Pierre LAGARDE en 1891, est une huile sur toile exposée au Musée des Beaux-Arts d'Orléans. Il s'intitule et représente Jeanne d'Arc entendant des voix.

L'œuvre est conservée au musée des Beaux-Arts d'Orléans. C'est une œuvre contemporaine en format paysage. La technique utilisée est l'huile. Zao Wou-Ki a peint cette huile sur toile en 1974. Elle mesure 250x260cm. 

Cette œuvre est composée du ciel qui s'étale au centre. Cette peinture est mystérieuse car il y a deux points de vue qui sont possibles : l'un en contre-plongée, comme si le spectateur était sous l'eau et l'autre en plongée, depuis le ciel. C'est à chacun de choisir. On peut aussi y voir une forêt. On ressent beaucoup de paix mais aussi de la curiosité en voyant ce tableau. Les couleurs sont froides avec un camaïeu de bleus.

Sommaire: I- Introduction: présentation du sujet II- Description du tableau III- Interprétation de l'œuvre IV- Biographie de l'artiste V- Ressenti et avis personnel

I- Introduction

Le titre de l'œuvre est Jeanne d'Arc entendant des voix, elle a été peinte par Pierre Lagarde en 1891, au 19e siècle. C'est une huile sur toile exposée au Musée des Beaux-Arts à Orléans.

Tessa Chartier &amp; Louison Guillaumin    

DE OLIVEIRA Athéna FAURE Audrey

La plage numéro 3, solitude

1- Présentation de l'artiste

Alexandre Antigna est né sous le nom de Jean Pierre Alexandre Antigna le 7 mars 1817 à Orléans. Il est décédé à l'âge de 60 ans le 26 février 1878 à Paris. C'est un artiste français. Il a été formé à l'Ecole nationale supérieure des Beaux-Arts à Paris et il est devenu un artiste et un peintre.

Ecole nationale supérieure des beaux-arts de Paris

Alexandre Antigna

Au milieu de la foule en liesse Un imposteur se proclame Roi Mais son allure, sans noblesse Rend le peuple sceptique et froid Vêtu d'un pantalon déchiré Et pieds nus, il tient l'alcool Un couteau, dans son autre main La foule ne sent pas le péril Ses pieds, sur une dame allongée Qui gît, recouverte de blanc Lui, est couvert de rouge, teinté De couleurs de la France, notre sang

2- Deux œuvres de l'artiste